Five Man Electrical Band - Ídem

El otro día, mientras -inspirado en este post- me acordaba de las mejores aventuras grupales que se dieron en los hermanos menores del país del Norte, Canadá, inmediatamente -además de ciertas obvias menciones que pueden ver aquí- apareció de forma casi automática en mi mente la banda a la que haré mención en este post justamente con el disco que lo ilustra. Y es que difícilmente pueda hablarse del rock en Canadá sin mencionar a los geniales Five Man Electrical Band y a este, su álbum autotitulado de 1969.

Originalmente llamados The Staccatos, estos muchachos empezaron a sacar discos a mediados de los '60 y a caballo de un precioso pop psicodélico rápidamente se hicieron conocidos en la escena canadiense de la época. La consagración en su país natal les llegó con su segundo disco de estudio, un split con los mucho más populares The Guess Who? llamado A Wild Pair donde incluían una bella canción llamada "Half Past Midnight" que les valió varios arqueos de cejas en radios de la época y un prometedor boleto a Los Ángeles.

Como para esa época ya eran cinco, el grupo decidió renombrarse muy ad hoc y editar su tercer álbum -primero en EE.UU.- en 1969. Five Man Electrical Band, su autotitulado, profundizaba dos aspectos interesantísimos de la música del grupo: el primero, sus sutiles armonías vocales; el segundo, el notable talento compositivo de su líder y factótum Les Emmerson. Las voces de Five Man Electrical Band -si bien buscaban emular a los Turtles, Beach Boys o a sus compatriotas Lovin' Spoonful- eran el complemento perfecto para las temáticas de Emmerson: mucho más arraigadas en el blues que las de sus coetáneos, otorgaban a la música del grupo una atmósfera emocional alejada del lavado dream pop de la época y mucho más cercana (por su crudeza) a la psicodelia.

Los cinco cantaban, y lo hacían muy bien. Pero además, eran músicos muy complementarios. Sobre todo el dúo de bateristas hermanos de Rick y Mike Belanger, cuya estructura -donde uno mantiene el ritmo junto al buen bajista Brian Rading y el otro ejecuta cuidados patrones de exquisita sutileza- era el perfecto soporte para las muy buenas canciones que contiene este larga duración, dos de las cuales muestran a las claras las influencias de Emmerson y los suyos: "Fancy Dancin' Man" es de Gary Bonner y Alan Gordon (compositores para Lovin' Spoonful y los Turtles, entre otros) y "You're Gonna Lose That Girl" es, claro, de Lennon y McCartney (si bien no está incluida en la versión estadounidense -que aquí ofrecemos- sí se encuentra en la original canadiense y en esta recomendable reedición).

Lamentablemente, en un mercado saturado de oferta por bandas de esta raigambre, los Five Man Electrical Band pasaron desapercibidos. Capitol, su disquera, les soltó la mano y casi los condenó al ostracismo. Al menos hasta 1971, cuando la pequeña Lion Records reedita un ignorado single del grupo en MGM -que los tuvo por menos de un año- llamado "Signs" como adelanto del disco que estaban próximos a lanzar allí, Goodbyes & Butterflies. El simple fue un éxito, llegando al #3 en las listas de EE.UU., pero eso no ayudó a las ventas del disco y el fracaso, esta vez, fue demasiado: la banda se separó en 1973 con un par de discos más -Coming Of Age en el '72 y Sweet Paradise en el '73- en el medio.

Pero eso, como siempre, no evita que podamos disfrutar de las viejas joyas olvidadas de este querido y querible grupo canadiense.

Five Man Electrical Band, Ídem
Capitol Records, 1969

1. Five Man Electrical Band (3:21)
2. Last Time I Saw Memphis (3:29)
3. Private Train (2:21)
4. Half Past Midnight (2:24)
5. Black Sheep Of The Family (2:23)
6. Maple Lane (3:00)
7. Fancy Dancin' Man (2:26)
8. We Go Together Well (2:24)
9. Didn't Know The Time (2:26)
10. Running Back (2:32)

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Personal
Les Emmerson - guitarra, voz
Brian Rading - bajo, voz
Ted Gerow - piano, órgano, voz
Mike "Bell" Belanger - batería, voz
Rick "Bell" Belanger - batería, voz

Ejemplo musical: originalmente lanzado como simple en 1967, "Half Past Midnight" fue -como dijimos arriba- el primer gran éxito de Five Man Electrical Band cuando aún eran The Staccatos. Esto hizo que los muchachos, obviamente, también lo incluyeran en su LP del '69.

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Pacífico - La Bella Época

Hemos hablado sobradamente en este blog de los inicios de la década del '70 en el rock de nuestra Argentina. En este sentido, hemos dejado bastante establecido que en aquellos días existían dos vertientes bien diferenciadas: por un lado -y de la mano de Billy Bond- se estilaba un rock pesado con raíces bluseras que propendían grupos como Pappo's Blues, Vox Dei o Pescado Rabioso. Por el otro, una ebullente vertiente acústica y folk de cuidados arreglos y armonías bellísimas era ignorada por el público masivo y confinada a devenires cási cofrádicos.

Es el caso de la banda que ilustra nuestro post del día, Pacífico. Se trata del segundo proyecto del artista plástico y fotógrafo Eduardo Martí quien, luego del breve trío Trieste (junto a Héctor Starc y Machi Rufino) se había aventurado con toda su lírica a cuestas a un proyecto de folk-rock progresivo junto al guitarrista Hugo Arbe y al flautista Miguel Ángel Pezzolano. Martí era, obviamente, un hombre de muchos amigos en el ambiente del rock nuestro y fueron algunos de ellos (el mencionado Starc, Emilio Del Guercio y Rodolfo García, por ese entonces promocionando su primer disco como Aquelarre) los que ayudaron inmensamente a que la banda pudiera publicar en 1972 y por Trova su primer y a la postre único registro discográfico, La Bella Época, que aquí ofrecemos.

Esto fue, claro, antes de disolverse tan silenciosamente como se habían formado, culpa esto de esta situación que describíamos más arriba: el público masivo evidentemente no comprendió la sutileza de los arreglos -por momentos plagados de ribetes de bossa nova, por otros herederos de Crosby, Stills & Nash y con inteligentes toques de jazz y momentos rockeros- de Pacífico, volcado mediática y publicitariamente a álbumes como Desatormentándonos, Pappo's Blues Vol. 2, el Volumen 2 de La Pesada (el disco de la oreja) o, en la faceta folk, al complaciente y adolescente estilo de los debutantes Sui Generis de Vida.

Porque si hay algo que La Bella Época no posee es simpleza, complacencia: Martí y sus compañeros rescatan los últimos atisbos del hippismo y la bohemia porteña en un clima intencionadamente amigable, calmo y agreste. Se trata de una propuesta, paradójicamente, nada improvisada pero evidentemente hecha en un clima de amistad y compañerismo que se traslada a cada nota y a cada armonía. Es sumamente destacable el fino trabajo de voces -aún pese a ciertos desatinos- y el entrecruzamiento y exploración de estilos de este disco, lo que a su vez acrecienta el fantasma de la "dificultad" con que se lo etiquetó en su tiempo.

Se trata, sin embargo, de uno de los mejores registros de aquel 1972, un reflejo claro de qué era lo alternativo al rock y blues entonces reinante; uno de los discos más olvidados de nuestro rock que, sin embargo, posee una peculiar reivindicación que tardó más de 30 años: en 1995, en su fundamental disco Chaco, los Illya Kuryaki And The Valderramas de Emmanuel Horvilleur (hijo de Martí) incluyeron como cierre de su poderosa "Remisero" los últimos versos de una de las canciones de La Bella Época, la bossa nova "Una Estela Sin Final", a manera de transición entre esta canción y la balada "Abismo". Este hecho, no más que una curiosidad, no logró rescatar demasiado del olvido a este grupo y su único y muy disfrutable registro.

Esperemos, sin embargo, que ustedes sí lo disfruten.

Pacífico, La Bella Época
Trova, 1972

1. Canción Para Un Pequeño Ladrón (7:02)
2. No Eras Vos, No Era Yo (3:12)
3. Ella Es Tu Hermana (6:07)
4. Mi Mágico Amigo (4:38)
5. Una Estela Sin Final (4:06)
6. Llanto de Un Atardecer (4:13)
7. Escapatoria (5:37)

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Personal
Eduardo Martí - guitarra acústica, percusión, voz
Hugo Arbe - guitarra acústica, percusión, viola, voz
Miguel Ángel Pezzolano - flauta, percusión, voz
Pedro Botti - piano
Héctor Starc - guitarra eléctrica en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"
Emilio Del Guercio - bajo en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"
Rodolfo García - batería en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"

Ejemplo musical: una de las grandes canciones acústicas de La Bella Época, "Llanto De Un Atardecer", refleja perfectamente la esencia de Pacífico.


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Psiglo - Ideación

Este humilde blog suele tener como temática habitual los coletazos de brillantez que -quizás como ningún otro género- el rock progresivo generó en todo el mundo. Hemos visto ejemplos europeos de fuste (en Holanda, España, Alemania, Italia) y también algún argentino, pero el alcance del progresivo se nota muchísimo también al otro lado del Río de la Plata, en el vecino país de Uruguay. Es así que en los primeros años '70 nacieron allí propuestas como la que es hoy objeto de este post, Psiglo.

Psiglo fue una efímera -aunque reiteradamente reunida- agrupación que, cabalgando en un denodado hard rock en la moda de Deep Purple y Led Zeppelin (principales deudos) añadió sofisticadas instrumentaciones y tufillos psicodélicos para crear una propuesta original y que fue sorpresivamente exitosa: ya en su segundo single, "No Pregunten Porqué"/"Vuela A Mi Galaxia" sus ventas llegaban a disco de oro, cifra -no hace falta decirlo- sorprendente para una banda (y mucho más una de música progresiva) en Uruguay.

Pero la confianza del ambiente musical en el crecientemente popular quinteto que integraban el soberbio cantante Rubén Melogno, el talentoso guitarrista Luis Cesio, el bajista César Rechac, el tecladista Jorge García y el magnífico baterista Gonzalo Farrugia era mucha, y así es que en los albores de 1973 (y tras haber participado en multitudinarios recitales como el Festival de la Solidaridad) ingresan al estudio a grabar lo que a la postre sería su primer larga duración: Ideación, el álbum que ilustra este post.

Ideación, además de incluir nuevas versiones de los temas más populares de sus primeros singles (la evangélica "En Un Lugar Un Niño" y la explosión progresiva de "Vuela A Mi Galaxia") resultó una perfecta demostración de todas las potencialidades que Psiglo había demostrado en sus breves dos años de existencia: las canciones vadeaban entre riffs poderosos, sutilezas psicodélicas e incluso arreglos sinfónicos -revisar la preciosa balada "Catalina"- para conformar un cohesivo disco que inmediatamente capturó la atención del público convirtiéndose en el más importante de la historia de su país.

Mucho tenían que ver las temáticas que Psiglo (desde sus inteligentes letristas Melogno y Cesio) desarrollaba en sus canciones. La épica "Es Inútil" -que abre la cara B del álbum original- es una exhibición clara de esto: la voz de Melogno obsta a combatir la (por entonces creciente en ambos lados del Río de la Plata) represión de las ideas jóvenes, expresadas también por los músicos del grupo en las banderas comunistas que lucían en sus shows. Justamente por desarrollar estas ideas fue que su segundo álbum, Psiglo II, fue censurado tanto en Uruguay como en Argentina precipitando la separación del grupo; hecho que se vio aún más alimentado por los cruentos golpes de Estado que se dieron casi simultáneamente en ambos países.

Pese a esto nadie olvida a Ideación, que fue la muestra de que se podía hacer y pensar las cosas de manera muy diferente al orden establecido. Psiglo representó la rebelión en un momento en que esta era necesaria, y es por eso que fueron y son tan recordados: Ideación es una fotografía de sus tiempos, un muestrario de la vida de la juventud uruguaya.

Psiglo, Ideación
Clave I.E.M.S.A., 1972

1. Siénteme (2:15)
2. En Un Lugar Un Niño (3:54)
3. Catalina (3:38)
4. Vuela A Mi Galaxia (4:31)
5. Nuestra Calma (4:26)
6. Es Inútil (9:03)
7. No Pregunten Porqué (3:27)
8. Piensa Y Lucha (4:40)
Bonus Tracks
9. Gente Sin Camino (cara B, simple 1972) (6:09)
10. En Un Lugar Un Niño (cara A, simple 1972) (3:10)
11. Vuela A Mi Galaxia (cara B, simple 1972) (4:42)

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Personal
Rubén Melogno - voz, percusión
Luis Cesio - guitarra, voz
César Rechac - bajo, voz
Gonzalo Farrugia - batería, percusión
Jorge García - teclados, flauta dulce, voz
Cuarteto de Cuerdas del SODRE - cuerdas en "Catalina"
Nelson Pito Varela - saxo en "Es Inútil"
Eduardo Giovinazzo - trompeta en "Es Inútil"

Ejemplo musical: uno de los momentos altos de Ideación fue este festival de teclados con un riff furibundo llamado "Vuela A Mi Galaxia", canción que en formato simple había sido un éxito para la banda pese a ser un lado B.


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Huinca - Ídem

En 1971 se termina el grupo iniciático de lo que fue el rock nuestro: Los Gatos. Las eternas diferencias entre el líder y compositor del grupo, Litto Nebbia, y el influyente guitarrista Pappo Napolitano sobre la dirección artística futura de la banda terminaron en una salomónica decisión: cada cual por su lado y todos contentos. Así, entonces, Pappo enfiló por fin hacia su esperado grupo solista Pappo's Blues (con Lebón y Black Amaya) y Litto terminó de decorar nuevas canciones para un futuro disco en solitario.

Por ciertos problemas contractuales, el disco no podría salir con la firma de Nebbia y entonces Litto decidió bautizar a su grupo de músicos como Huinca. Huinca era, entonces, un proyecto solista del ex-Los Gatos donde, pese al predominio de su guitarra y su voz, el resto de los integrantes aportaba -y mucho- de lo suyo: después de todo, el baterista era otro ex-Gatos, el maravilloso Oscar Moro; el bajista era Cacho Lafalce (quien había tocado en La Pesada de Billy) y el teclado era para un virtuoso llamado Gabriel Ranelli. Buenos músicos, de los mejores de su época, y en sintonía.

Sin embargo, lejos de ser lo más importante, la formación -e incluso el liderazgo de Nebbia- era anecdótico: lo sumamente interesante de aquel primer disco autotitulado de Huinca era lo ajustadas, rockeras y arriesgadas que sonaban sus composiciones. Nebbia definitivamente buscaba una dirección entre el blues ("Cadenas Y Moneda", quizás el tema más simbólico de este período, así lo demuestra), el folk ("Alunar" es un pleno ejemplo de ésto y de la poesía de Litto) y el rock denodado y avasallante pero delicado de soberbias piezas como "Chocolates (Para Ud.)", "Gritar Y Amar Es Luchar" o "Por Algo Es" donde como dijimos antes lejos queda la figura de Nebbia como punta de lanza sino que se nota una sinergia grupal, un calor llamativo. El entendimiento de la batería de Moro con el bajo de Lafalce, los diálogos y soleos de Nebbia y Ranelli, los corales que adornan cada canción, todo nos habla de una banda que parecía bien formada.

Lamentablemente para el rock nacional, tanto no lo era que no sólo el disco -editado por el pequeño sello Trova- tuvo una bajísima tirada que importó muy poco al lado de monstruos como el segundo disco de Pappo's Blues (irónicamente), el debut de Pescado Rabioso o Vida y fue el detonante para que Nebbia decidiera prescindir de los servicios de los tres músicos que lo acompañaban; quienes formarían el brevísimo trío instrumental Aquarium para luego iniciar la diáspora (que, por ejemplo, terminaría con Moro en Color Humano) y dejar olvidada esta efímera formación.

Tan olvidada está que la única edición disponible de Huinca es en un disco conjunto con Despertemos En América, disco solista de Nebbia en el que ambos álbumes aparecen con la autoría de Litto (quien, claro, es dueño de las grabaciones con su sello Melopea). Desde este pequeño espacio, entonces, optamos por divorciar este disco de aquel -como se debe- para darle su justo y merecido lugar como uno de los secretos mejor guardados de todo el rock nuestro. Disfruten.

Huinca, Ídem
Trova, 1972

1. Preludio (1:42)
2. Gritar Y Amar Es Luchar (6:26)
3. Harlem (2:13)
4. Cadenas Y Moneda (7:11)
5. Posludio (0:56)*
6. Yo Soy Tu Voz (3:26)
7. Alunar (4:43)
8. Chocolates (Para Ud.) (4:21)
9. Canción Para Ramona (2:42)
10. Por Algo Es (5:37)

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* El lado "A" del vinilo terminaba en esta canción, por ello la sucesión de "Preludio" en track #1 y "Posludio" en el #5.
Pequeña anécdota: la tapa muestra a los miembros de la banda, incluyendo a Nebbia quien, para burlar la prohibición de grabar con otra disquera que no fuera RCA (con quienes se había peleado por la no-edición de Nebbia's Band tras la disolución de Los Gatos), aparece de espaldas a la cámara.

Personal
Litto Nebbia - voz, guitarras eléctrica y española, armónica, coros
Cacho Lafalce - bajo, coros
Gabriel Ranelli - piano eléctrico, órgano
Oscar Moro - batería, percusión
Mario Tenreyro - corno en "Por Algo Es"
Chino Rossi - percusión en "Por Algo Es"

Ejemplo musical: soberbia canción de Huinca es su octavo tema, "Chocolates (Para Ud.)". Furioso pero sutil rock donde los teclados, la guitarra y las cuidadas voces y arreglos se entrecruzan con inteligencia.

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Gorky's Zygotic Mynci - How I Long To Feel That Summer In My Heart

Siguiendo con lo que hablábamos en la entrada anterior es justo que mencionemos a la otra importantísima pata de aquella interesantísima oleada galesa de finales de los '90. Se trata de un cuarteto de Carmarthen (al oeste del país) llamado con el excéntrico nombre de Gorky's Zygotic Mynci, cuya carrera arrancó cuando eran muy jóvenes, a finales de los '80. Sin embargo, no se establecen profesionalmente hasta el '91 cuando a su vez logran catalizar la formación que los caracterizará durante el resto de su carrera: Euros Childs en voz y teclados, John Lawrence en guitarra, Richard James en bajo, Euros Rowlands en batería y la hermana de Childs, Megan, en violín.

Como los Furries, Gorky's Zygotic Mynci (cuyo nombre es un homenaje al filósofo ruso Maxim Gorky) practicaban en sus inicios un rock de netas raíces psicodélicas de variadas influencias, entre las que se pueden citar a la escena de Canterbury de fines de los '60, a Captain Beefheart y a algo del folk psicodélico inglés. Sus primeros discos Patio ('92), Tatay ('94) y Bwyd Time ('95) fueron editados por el sello galés Ankst y son bastante variados tanto en lenguaje (introducen canciones en galés como en inglés) como en estilística, mezclando un poco de todo lo antedicho: temas muy calmos con algunos momentos más densos y climáticos, canciones convencionales con volátiles y desestructuradas composiciones.

Su pasaje al sello Fontana, así como su decisión por optar por Gorwel Owen (de trabajo con Super Furry Animals) como productor marcaba sus deseos de entrar al mercado estadounidense. Y así lo hicieron, primero con una despareja compilación de sus años en Ankst (Introducing, '96) y luego con un decidido acercamiento al folk de delicados arreglos llamado Barafundle (1997). Este disco les abrió las puertas a este mercado y también les definió un sonido decididamente relajado y sutil, línea que mantendrían en buenos volúmenes como Gorky 5 ('98) y Spanish Dance Troupe ('99), y refinarían con mucho mejor acierto en su mejor trabajo, How I Long To Feel That Summer In My Heart (2001).

Lamentablemente los conflictos internos (producto del desgaste de una relación de años y de las constantes giras, grabaciones, ensayos pero fundamentalmente del desarraigo de un grupo que ya se había instalado en los EE.UU.), que habían hecho a las salidas de Lawrence y James, miembros fundadores, llevaron al grupo a llamarse a un largo silencio después de un irregular disco llamado Sleep/Holiday ('02); hiato que duró hasta mayo de 2006, cuando anunciaron su separación definitiva.

Gorky's Zygotic Mynci, How I Long To Feel That Summer In My Heart
Mantra, 2001

1. Where Does Yer Go Now? (3:56)
2. Honeymoon With You (2:15)
3. Stood On Gold (2:54)
4. Dead-Aid (3:23)
5. Cân Megan (3:18)
6. Christina (5:18)
7. Easy Love (2:20)
8. Let Those Blue Skies (3:01)
9. These Winds Are In My Heart (4:24)
10. How I Long (4:08)
11. Her Hair Hangs Long (5:01)
12. Hodgeston's Hallelujah (2:36)

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Personal
Euros Childs - guitarras acústica, eléctrica, española, piano, hammond, moog, armonio, clave, autoharp, percusión, voz
Peter Richardson - bajo, batería, percusión, clave, pandereta, efectos
Euros Rowlands - batería
Megan Childs - violín, piano eléctrico, hammond, rhodes, armonio, clave, vibráfono, würlitzer, voz, coros
Gorwel Owen - órgano, piano, hammond, rhodes, armonio, clave, vibráfono, glockenspiel, e-bow, cítara, sho, efectos
Les Morrison - banjo
Gary Alesbrook - trombón, trompeta
Frank Schaefer - cello
Anthony Lewis - cello
Rebecca Brown - viola
Bruce White - viola
Harriet Davies - violín
Sally Herbert - violín
Jacqueline Norrie - violín
Sonia Slany - violín
Norman Blake - voz, coros

Ejemplo musical: el tema que da cierre al disco se llama "Hodgeston's Hallelujah" y es una verdadera delicia. Disfruten.


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Blue Cheer - Vincebus Eruptum

Si tuviéramos que definir un punto desde donde el metal, el stoner y hasta el grunge comenzaran, muy probablemente se trataría de enero de 1968, mes en el que saliera el primer disco de un entusiasta trío de rock duro y psicodélico llamado Blue Cheer. Vincebus Eruptum se llamaba el disco, y era una obra que se distanciaba bastante de lo que el psych de aquellos años tenía para ofrecer.

El álbum que Dickie Peterson (bajo y voz), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería) habían concebido era descarnadamente agresivo, poderoso y directo. Parecía un mal viaje de LSD por su psicodélica fuerza: guitarras elevadas, batería estruendosa y la voz de Peterson confrontacional, implacable. Su rendición del clásico de Eddie Cochran "Summertime Blues", que abría el disco, era casi un manifiesto: habían deformado la canción hasta transformarla en un torrente de poder con un ritmo indetenible (y que un largo tiempo después muchas bandas siguen intentando emular). En sus breves seis temas Blue Cheer se mostraba duro pero inteligente, distorsionado pero cuidado.

El grupo se había formado en San Francisco (California) en 1966 y como cuarteto. Ya en 1967 eran el trío que se menciona arriba; con el que grabaron en el mismo 1968 este disco y su estupendo continuador OutsideInside, doble de mayor injerencia psicodélica, más sutileza y menos fuerza. El gran tema de la banda fueron sus permanentes cambios de alineación que los llevaron de cuarteto (con teclados) a trío y viceversa. Aún pese a esto sacaron un par de discos muy interesantes en 1969: New! Improved! (disco doble entre cuarteto y trío) y Blue Cheer; y uno más, The Original Human Being (1970) ya sólo con un miembro fundador (Peterson).

En 1971 editaron un sexto e irrelevante disco, Oh! Pleasant Hope, y al ver que éste fracasaba, se separaron. La llama mística que Peterson, Stephens y Whaley habían encendido se apagaba, y nadie más que ellos podía conservarla. En los '80, vuelven otra vez como trío y, con Whaley en el sillín, editan un nuevo disco (The Beast Is Back, 1984) y un soberbio directo, Blitzkrieg Over Nüremberg ('89).

Nunca el suceso los alcanzó como en Vincebus Eruptum, pero el status místico alcanzado con sus primeros discos les ha servido para seguir activos hoy en día.

Blue Cheer, Vincebus Eruptum
PolyGram, 1967

1. Summertime Blues (3:47)
2. Rock Me Baby (4:23)
3. Doctor Please (7:53)
4. Out Of Focus (3:58)
5. Parchment Farm (5:50)
6. Second Time Around (6:18)

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Personal
Dickie Peterson - bajo, voz
Leigh Stephens - guitarra
Paul Whaley - batería

Ejemplo musical: la increíble versión del "Summertime Blues" de Eddie Cochran que Blue Cheer registrara en Vincebus Eruptum.


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July - Ídem

Cuando se habla de grandes discos perdidos de la generación de la psicodelia, es consenso general referirse a este álbum como definición exacta del término. Todos los demás podemos discutirlos. Pero no éste, genial y olvidado como lo es.

Se trata, una vez más (y como en el post anterior) de una banda signada por el infortunio y el olvido, cuya corta existencia y aún más breve registro discográfico así lo testimonian. En 1968, un grupo inglés de R&B llamado The Second Thoughts habían regresado de España (donde habían obtenido cierto éxito) absolutamente quemados por el trajín de la gira, por la rutina y principalmente por las drogas. El LSD los había convertido en una irreverente banda de psicodelia llamada July.

En pleno auge de la movida en el Reino Unido, al poco tiempo tenían su primer disco autotitulado en la calle. Poco sabrían ellos que éste sería el único material que registraran, principalmente porque lo tenía todo para ser exitoso. En efecto, July contenía dosis iguales de R&B con dejos psicodélicos, momentos acústicos, rocks de furia y fuzz y, claro, viajes muy en el estilo de sus tiempos. El disco era un manual de instrucciones sobre cómo hacer psych que, lamentablemente, pasó muy desapercibido.

La banda se separó ese mismo año. Algunos de sus integrantes hicieron mella en el rock: el violero Tony Duhig (quien se avergüenza de este disco) formó los interesantes progres de Jade Warrior junto al multiinstrumentista Jon Field, Tom Newman (voz) es un respetado ingeniero de sonido y el bajista Alan James ha trabajado como sesionista de Cat Stevens [Yusuf Islam] y Kevin Coyne. O sea, ninguno es una superestrella, pero todos tienen lo suyo.

Afortunadamente, el instinto revisionista del ser humano convirtió a este disco en una pieza coleccionable de fuste, y revivió July al menos por un rato. Como lo hago yo.

July, Ídem
Epic Records, 1968

1. My Clown (3:23)
2. Dandelion Seeds (4:29)
3. Jolly Mary (2:20)
4. Hallo To Me (2:59)
5. You Missed It All (2:51)
6. The Way (3:23)
7. To Be Free (2:44)
8. Move On Sweet Flower (3:25)
9. Crying Is For Writers (2:36)
10. I See (2:40)
11. Friendly Man (3:09)
12. A Bird Lived (2:39)
Bonus Tracks
13. The Way (Alternative Version) (4:14)
14. Hello Who's There (Unreleased) (3:11)

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Personal
Tom Newman - voz
Tony Duhig - guitarra, coros
Alan James - bajo
Chris Jackson - batería
Jon Field - teclados, flauta traversa

Ejemplo musical: uno de los singles más reputados de la era psicodélica fue "My Clown", primer tema del disco aquí ofrendado.


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Tomorrow - Ídem

Tomorrow fue una de esas bandas que se pasearon discretamente por entre la muy fecunda oleada de la psicodelia en el Reino Unido. Pese a tocar palmo a palmo con luminarias de la talla de Pink Floyd o Soft Machine, pioneros de las primeras horas del psych británico, fueron una banda de escueta duración y aún más breve discografía. En esos tiempos era muy común que, si el éxito no te llegaba, te movieras raudo hacia otro proyecto que pudiera reportarte más trascendencia. Había muchos músicos, y un campo de acción propicio para el suceso.

Eso fue lo que hicieron los miembros de Tomorrow después de la banda. Y fíjense qué miembros: el violero era Steve Howe, que más tarde descollara en Yes; el cantante era el popular Keith West del A Teenage Opera de Mark Wirtz y el baterista era Twink (John C. Alder), músico que aparecería, por ejemplo, en S.F. Sorrow de los Pretty Things.

Estos tres, junto al bajista John Junior Wood, conformaban Tomorrow. El grupo tuvo una breve vida del '67 al '68, pero les alcanzó para ser los primeros en grabar un show para John Peel en la BBC Radio 1 y editar su único larga duración autotitulado. En él demuestran ser cultores de un correcto rock psicodélico, de tintes garage y temáticas algo peculiares. El disco es una estupenda colección de canciones psych que, sin embargo, no hicieron mella en el corazón de la sociedad de aquellos días.

Sin embargo, vistos con la lupa del hoy, son una indudable joya, y una influencia para los que vinieron después.

Tomorrow, ídem
Parlophone, 1968

1. My White Bicycle (3:18)
2. Colonel Brown (2:53)
3. Real Life Permanent Dream (3:17)
4. Shy Boy (2:27)
5. Revolution (3:50)
6. The Incredible Journey Of Timothy Chase (3:18)
7. Auntie Marie's Dress Shop (2:47)
8. Strawberry Fields Forever* (3:59)
9. Three Jolly Little Dwarfs (2:28)
10. Now Your Time Has Come (4:53)
11. Hallucinations (2:43)
Bonus Tracks
12. Claramount Lake (1967 Single B-Side) (3:02)
13. Why (Demo)** (3:59)

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* Es la de Lennon/McCartney, sí.
** Cover de The Byrds.

Personal

Keith West - voz
Steve Howe - guitarras eléctrica y acústica
John Junior Wood - bajo
John Twink Alder - batería
Mark Wirtz - teclados

Ejemplo musical: primer single de Tomorrow que a su vez es el primer tema de este disco: "My White Bicycle", inspirado en el programa de bicicletas comunales de los Provos holandeses.


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13th Floor Elevators - The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators

Aquí en este blog, como ya lo habrán podido apreciar, somos amantes devotos y cultores del recuerdo a aquel mágico y bello movimiento de finales de los años '60 que fue el rock psicodélico. Y si de rock psicodélico se trata, hubo una banda y un disco que ayudaron a crear el marco teórico-musical en el que este estilo supo discurrir.

Esa banda es hoy objeto de nuestro post, y se llama 13th Floor Elevators. Formados en Austin, Texas en 1965, los 13th Floor eran la nueva escala en el periplo de un joven pero inteligente compositor llamado Roky Erickson. Instruido en las huestes del primer rock, Erickson ya había hecho sus armas iniciáticas con grupos de corta vida (y aún menor registro) como The Spades. Pero no fue hasta que se alió con quien a la postre sería su suerte de alma gemela musical, Tommy Hall, que sus esfuerzos darían como fruto creaciones que a la postre le ganarían reconocimiento y una acotada pero importante popularidad.

Hall era un guitarrista y compositor que llevaba como marca registrada una extraña habilidad: tocaba la jarra (jug), popular entre las jug bands de los Estados Unidos de los años '20 pero que parecía anacrónica en su época. Error: Hall la amplificó y fue este peculiar instrumento el que le dio a los 13th Floor Elevators un sonido característico, único y atractivo.

En realidad, para ser justos, la jarra era tan importante para el sonido de grupo como las guitarras de Stacy Sutherland y el propio Erickson. De las letras se encargaban tanto Roky como Hall y un interesante compositor de la escena folk llamado Powell Saint John, quien sabía a las claras qué sentimientos querían transmitir estos rockeros y los traducía a letras con perfección y expresividad.

El sonido era definitivamente garage: crudo, duro y con apariencia descuidada. Pero la banda tenía una llamativa capacidad para el detalle, y sus armonías, extrañas temáticas y juegos de guitarra intrincados y ambiciosos los destacaron por sobre el resto izándolos como bandera de una movida en ciernes. International Artists (popular disquera de Houston, con bandas como Red Krayola) los firma en 1966 y meses después les edita con un importante aparato de difusión éste, su primer disco The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators.

El grupo se transformó en el paladín de la contracultura consumidora de LSD como abre-conciencia tanto con este material como con el más volador y experimental Easter Everywhere (1967), álbum conceptual que los elevó de categoría: llegaron a tocar con Quicksilver Messenger Service o The Byrds. Pero variopintos escandaletes sacaron al baterista John Walton (quien al no aparecer acreditado en Easter Everywhere les hizo juicio) y al bajista Ronnie Leatherman.

Estos conflictos romperían la cohesión del grupo, como se evidencia en el irregular Bull Of The Woods de 1968 que, pese a tener a Leatherman de nuevo, ya no es lo mismo. Los 13th Floor Elevators se separaron en el '69 dejando un legado de tres discos capitales para el rock todo.


13th Floor Elevators, The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators
International Artists, 1966

1. You're Gonna Miss Me (2:33)
2. Roller Coaster (5:09)
3. Splash 1 (3:57)
4. Reverberation (Doubt) (2:51)
5. Don't Fall Down (3:03)
6. Fire Engine (3:23)
7. Thru The Rythm (3:10)
8. You Don't Know (How Young You Are) (2:59)
9. Kingdom Of Heaven (3:11)
10. Monkey Island (2:41)
11. Tried To Hide (2:48)

Rippeado @ 192 kbps. | 50 MB aprox.

Personal
Roky Erickson - voz, guitarra
Tommy Hall - jarra eléctrica, guitarra
Stacy Sutherland - guitarra
Ronnie Leatherman - bajo
John Ike Walton - batería
Powell Saint John - letras

Ejemplo musical: 13th Floor Elevators en vivo, en una rara filmación de su canción más popular la que, incidentalmente, es la apertura de su primer disco: "You're Gonna Miss Me".


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Xhol Caravan - Electrip

Hubo alguna vez, en la loca Alemania de finales de los '60 y comienzos de los '70, un movimiento absolutamente único y propio del rock de aquel país. En algún momento lo hemos cubierto por aquí, y hoy es hora de hablar de los pioneros (como también nos gusta hacer).

Ese movimiento fue obviamente el kraut-rock, y esos pioneros fueron los increíbles Xhol Caravan. Inicialmente conocidos como Soul Caravan, comenzaron su estrambótico periplo como una convencional banda de funk y R&B. Sus líderes de aquel tiempo eran los saxofonistas Tim Belbe y Hansi Fischer, alemanes amantes de la música negra estadounidense a tal punto que reclutaron a dos vocalistas de la escena Motown, James Rhodes y Donny Swinton.

Para 1968, sin embargo, esa locura se les había pasado y les había entrado otra. Después de varios cambios de alineación, la banda había virado hacia una particular mixtura de free jazz con rock psicodélico y progresivo que como característica distintiva contaba con los primeros intentos de experimentación electrónica de los que se tenga registro. A tal punto querían apartarse que se habían cambiado el nombre a Xhol Caravan para distinguirse de sus viejas épocas.

Con esa alineación, en 1969 y para el histórico sello alemán Hansa pergeñaron este, su segundo disco como Xhol Caravan: Electrip. Este es sencillamente el primer álbum de kraut-rock del que se tenga registro, un pionero mojón en la ecléctica mixtura que caracterizó al movimiento: hay claros elementos de jazz rock con estructuras progresivas, pero el constante devenir de las canciones trae un claro influjo psych. A esto le suman extraños manejos de sonido, recurso que luego gastarían bandas como Brainticket, Can o Embryo y un humor alla Zappa.

Más que canciones, lo de Xhol Caravan eran suites, vuelos con comienzo y andar sorprendentes y final incierto. Para esta banda no había reales límites musicales. Su ambición los llevaba a crear ámbitos irrevocablemente negros (los rastros de funk y R&B de sus primeros tiempos son notorios, y deliciosos) donde desarrollar un denso pastiche de estilos, formatos, temáticas y fundamentalmente ambientes.

Se trata de una representación atemporal de un movimiento que estaba en ciernes, preparándose para dar el salto. Electrip nos muestra con qué elementos el kraut-rock conquistaría los ámbitos de la música europea de la primera mitad de los '70: creatividad y ambición ilimitadas, variopintas influencias y por sobre todo innovación, que es lo que le venía en falta al rock.

En 1970 se cambian el nombre a Xhol para distinguirse de los británicos Caravan. Luego editan su tercer disco hau-RUK (1971), que fue seguido por un álbum en vivo que les sirvió como despedida en el momento justo de la ebullición del movimiento que ellos, con su joya bautizada Electrip, habían ayudado a crear.

Xhol Caravan, Electrip
Hansa, 1969

1. Electric Fun Fair (6:27)
2. Pop Games (6:55)
3. All Green (7:37)
4. Raise Up High (17:45)
5 Wallah Mashallah (1:39)
6. Planet Earth (Single 1969) (2:46)
7. So Damn, So Down And So Blue (Single 1969 B-Side) (3:29)

Rippeado @ 256 kps. VBR | 68 MB aprox.

Personal
Tim Belbe - efectos
Ocki Brevert - piano eléctrico
Klaus Briest - bajo
Skip Vanwych - batería
Hansi Fischer - flauta traversa, saxos alto y soprano

Ejemplo musical: Xhol Caravan en vivo interpretando la primer parte de "Ozsillogramm", inédito editado en el DVD Talking To My Soul (que desde aquí recomendamos cálidamente). La segunda parte está acá.


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The Flaming Lips - Yoshimi Battles The Pink Robots

Si algo bueno tuvo el auge de la música electrónica que experimentamos en estos tiempos a partir de la masificación de las tecnologías digitales, eso fue el rediseño de la noción de pop. Si en los fatídicos años '80 el pop estaba lleno de baterías electrónicas y teclados sintéticos, hoy (gracias en parte a productores y compañías que reavivaron viejas tecnologías dándoles toques modernistas) se compone de teclados más reales y palpables, programaciones de buen gusto y voces con armonías armadas deliciosamente.

Las guitarras sienten un segundo nacimiento, pese a que a veces se las utiliza al servicio de una música en la que jamás nos hubiésemos imaginado que tuvieran injerencia. En fin, gracias a estas tecnologías e ideas el pop bien entendido ha recuperado algo de su tracción a sangre, y restado (afortunadamente) en pasteurización y falsedad.

Una de las bandas clave en este renacimiento tan bienvenido son The Flaming Lips, objeto de este post. Y uno de los discos capitales del movimiento es precisamente el que presento y entrego, Yoshimi Battles The Pink Robots. Los muchachos venían haciendo buenas cosas desde fines de los '80, donde aprendieron el lenguaje pop que luego decodificarían en grandes discos como Clouds Taste Metallic o Zaireeka* ya entrados los '90. Pero fue con The Soft Bulletin, en el límite del 2K, que la prensa les empezó a prestar más atención.

Porque si bien ya desde 1992 editaban por Warner, eran una apuesta a futuro de uno de los grandes sellos del mundo, que invertía además en los excéntricos shows que hicieron de los Lips una experiencia totalizante y muy particular. Tres años después de Soft Bulletin, en 2002, editan a Yoshimi... y todo estalla. Pero estalla de verdad, eh. Esta pequeña opereta sobre una enfermedad, robots y japoneses (?) resultó toda una lección de melodía, armonía, programación, arreglos. Una verdadera joya, escrupulosamente armada con una puntillosidad que se refleja a las claras en cada momento del disco.

Escúchenlos, disfrútenlos y difúndanlos. Que se lo merecen.

The Flaming Lips, Yoshimi Battles The Pink Robots
Warner Brothers Records, 2002

1. Fight Test (4:14)
2. One More Robot/Sympathy 3000-21 (4:59)
3. Yoshimi Battles The Pink Robots Part 1 (4:45)
4. Yoshimi Battles The Pink Robots Part 2 (2:57)
5. In The Morning Of Magicians (6:18)
6. Ego Tripping At The Gates Of Hell (4:34)
7. Are You A Hipnotist?? (4:44)
8. It's Summertime (Throbbing Orange Pallbearers) (4:20)
9. Do You Realize?? (3:32)
10. All We Have Is Now (3:53)
11. Approaching Pavonis Mons By Balloon (Utopia Planitia) (3:09)

Rippeado @ 224-320 kbps. [VBR] | 84 MB aprox.

* Interesante proyecto de cuatro discos para escucha simultánea. Digno de conseguirse cuatro estéreos y armar el álbum tal y como intentaron que se conozca.

Personal
Wayne Coyne - voz, guitarra, piano, theremín
Michael Ivins - bajo, piano, coros
Steven Drozd - batería, guitarra, bajo, teclados, sintetizadores, coros, percusión

Ejemplo musical: video de la parte 1 de "Yoshimi Battles The Pink Robots", suite que define los conceptos del disco.


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The Kinks - Arthur (Or The Decline And Fall Of The British Empire)

The Kinks debe ser uno de los grupos más infravalorados del rock n' roll. Después de todo, la banda de los hermanos Ray y Dave Davies fue una de las cuatro patas fundacionales de la llamada Invasión (musical, claro) Británica a los Estados Unidos. Y qué tal se sentirán si les digo que las otras cuatro son Rolling Stones, Beatles y The Who?

Tal vez esa pequeña trivia sirva a valor nominal, como para dar una idea más o menos global de que a los Kinks realmente no se los aprecia lo suficiente. Pero este desdén es aún más evidente al escuchar su música, y por qué no, al leer sus conceptualizaciones: la hábil mente de un compositor como Ray Davies anticipó muy efectivamente todo el rock de los '70 mediante la inclusión de conceptos que le daban un lineamiento al disco.

El ejemplo más cabal es tal vez el disco que aquí les ofrezco, Arthur (Or The Decline And Fall Of The British Empire). Se trata de la visión que tiene un emigrante inglés de su país natal, las guerras y la posición del Reino Unido ante ello. Inspirado en Rosie, la hermana de Dave y Ray, el disco además es una exhibición de un rock n' roll sofisticado, de una lírica admirable y un notorio cuidado instrumental similar al que mostrarían unos cinco años después los intérpretes folk de los EE.UU.

A The Kinks no se los recuerda principalmente por un hecho que les es ajeno. La mayor parte de su catálogo fue editado por la célebre disquera Pye Records. En 1980 el catálogo de este sello fue comprado por Castle Communications, subsidiaria de Sanctuary que no se dignó a reactivar Pye hasta el 2004, año donde se registraron varias reediciones; entre ellas, la de Arthur.

Y en buena hora. Tal vez ahora los Kinks empiecen a ocupar el sitial que merecen en el podio del buen rock n' roll. Por cosas como ésta.

The Kinks, Arthur (Or The Decline And Fall Of The British Empire)
Pye Records, 1969

1. Victoria (3:40)
2. Yes Sir, No Sir (3:46)
3. Some Mother's Son (3:25)
4. Drivin' (3:21)
5. Brainwashed (2:34)
6. Australia (6:46)
7. Shangri-La (5:20)
8. Mr. Churchill Says (4:42)
9. She's Bought A Hat Like Princess Marina (3:07)
10. Young And Innocent Days (3:21)
11. Nothing To Say (3:08)
12. Arthur (5:27)

Rippeado @ 192 kbps. | 69 MB aprox.

Personal
Ray Davies - voz, guitarra, teclados, piano
Dave Davies - guitarra, voz
John Dalton - bajo, coros
Mick Avory - batería, percusión

Ejemplo musical: los Kinks el 23 de septiembre de 1979 en Providence (Rhode Island, Estados Unidos), interpretando el tema que abre este disco, "Victoria". La alineación de ese entonces: los Davies, Mick Avory y el bajista Jim Rodford.


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The New York Dolls - Ídem

Y si en la entrada anterior hablábamos de pioneros, en ésta también. Si aquellos (The Velvet Underground) modelaron el ideario minimalista que daría su combustible al punk rock, éstos fueron los que le aportaron el descaro, la explosividad, la idea de irresponsabilidad. Fueron la chispa que encendió la llama, para continuar con la metáfora de la combustión.

The New York Dolls, se llamaron los muchachos. Y así como los ven en la tapa, todos pintarrajeados y con cara de chicos buenos, eran todos unos atrevidos. El problema fue que al heredarle esta moda del maquillaje, los leotardos y el cuero a un movimiento tan patético como popular (el hair metal ochentoso), hoy confundimos la finalidad del propio look. En estos pibes, tanto polvo servía para disfrazar sus verdaderas intenciones.

Intenciones que se expresan a las claras en éste, su primer disco. Se trataba de unos muchachos muy pesados, violentos y con turbulentas vidas que incluían, obviamente, sustancias y prácticas ilegales. Hablamos de personalidades excéntricas que luego dejarían su huella en el rock por propio ímpetu: el cantante David Johansen, de voz limitada pero pasional y expresiva; el guitarrista y cantante Johnny Thunders (un ícono del glam), de una intensidad poco vista para la guitarra con fuzz; el guitarrista Sylvian Sylvian, técnico y minimalistamente quirúrgico para las rítmicas; el sofisticado baterista Jerry Nolan, granítico y suficiente; y Arthur Killer Kane en el bajo.

Sus influencias eran principalmente el rythm & blues de los años '50, el garage rock de los '60 y una fuerte dosis de psicodelia, en especial en la estructura poco convencional de las canciones. Esta mixtura daba como resultado un violento cóctel de estilos que se convirtieron en una propuesta explosiva, con guiños de delicadeza pero verdaderamente furiosa. Para los Dolls no había descanso, no había pausa: eran toda una banda de rock n' roll, descarada y con una pasión sin límites.

Los muchachos editaron este primer disco en 1973, bajo la supervisión del gran Todd Rundgren. Su poder conquistó tanto a los Estados Unidos como al Reino Unido, lo que para una banda de este estilo era difícil, y más con la atmósfera ciertamente neoyorkina que tenía la música de los Dolls. En 1974, sin embargo, su segundo opus Too Much Too Soon fracasó, y el título de éste pareció una sutil premonición. Ni siquiera Malcolm McLaren, quien luego crearía a los Sex Pistols, pudo levantar su fama. Probablemente, como la historia lo comprobó, eran demasiado atrevidos para su tiempo.

Si bien se separaron en 1975, fueron y son constantemente señalados como influencia por cualquier grupo de punk rock, hard rock o glam que aparezca por ahí. Aprecien por qué, entonces.

The New York Dolls, Ídem
Mercury Records, 1975

1. Personality Crisis (3:34)
2. Looking For A Kiss (3:11)
3. Vietnamese Baby (3:32)
4. Lonely Planet Boy (4:06)
5. Frankenstein (6:00)
6. Trash (3:09)
7. Bad Girl (3:05)
8. Subway Train (4:22)
9. Pills (2:49)
10. Private World (3:40)
11. Jet Boy (4:40)

Rippeado @ 160 kbps. | 57 MB aprox.

Personal
David Johansen - voz, armónica, gong
Johnny Thunders - voz, guitarra
Sylvian Sylvian - guitarra, piano, voz
Arthur Killer Kane - bajo
Jerry Nolan - batería
Todd Rundgren - piano, teclados, moog
Buddy Bowser - saxo
Alex Spyropoulos - piano

Ejemplo musical: The New York Dolls en pleno interpretando el tema que abre este disco, "Personality Crisis", en vivo para la TV estadounidense.


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The Velvet Underground - The Velvet Underground And Nico

Si The Velvet Underground And Nico fuese un auto, sería el Ford T. Esto es, un adelanto considerable para lo que se esperaba de sus tiempos, quizás a su vez demasiado malentendido entonces pero cuya importancia en el desarrollo futuro nadie discute.

Y es que éste, el primer y fantástico disco de The Velvet Underground, es la piedra basal de varios estilos que vendrían más de una década después: punk rock, new wave, hasta hardcore. La Velvet fue punk mucho antes de que a Malcolm McLaren se le ocurriera armar unas pistolas sexuales que le diesen al estilo el empujón necesario. Y por qué? Simple. Por las mismas razones que tuvieron aquellos cuatro británicos para hacer lo que hacían: hartazgo.

John Cale era un multiinstrumentista galés que, harto de la cerrada instrucción de su país, había llegado a los Estados Unidos para aprender más de música clásica. Allí conoció a Lou Reed, un estadounidense que, harto de los excesos del rock psicodélico, pretendía trabajar con drones para crear ambientes hipnóticos, pero simplistas. Ambos unieron fuerzas, amparados en un deseo experimental común, y reclutaron al guitarrista Sterling Morrison y a la baterista Maureen Mo Tucker. La inclusión de Tucker era otra rareza: no era común una baterista mujer.

En 1965 los agarra un artista en boga: Andy Warhol. Warhol les ofrece manejarlos, y les aconseja que incluyan a la sugestiva modelo, actriz y cantante alemana Christa Päafgen, Nico, en el combo. La parte más jugosa del management de Warhol es la invitación que les hace a ser la pata musical de su espectáculo multimedia The Exploding Plastic Inevitable. Toda la publicidad bienganada en los dos años de duración de este show ('65-'67) les valió el salto al LP.

El resultado fue éste: The Velvet Underground And Nico. Una exhibición musical de fuste, donde lejos del virtuosismo o el excesivo barroco, los Velvet se limitan a estructuras simplistas, repetitivas, duras y hasta precarias. La oscuridad de la voz de Reed (y de su guitarra atonal), la hipnótica viola de Cale, el tono básico pero constante de Tucker y la guitarra blusera de Morrison eran partes de una combinación que ensalzaba la extraña voz de Nico, presente en algunas composiciones como una aparición melodiosa y fantasmagórica.

Se muestra, además, una interesante amplitud: está el poder de "I'm Waiting For The Man", las caóticas "Heroin" o "Venus In Furs", la balada "Femme Fatale"... En fin, una colección de maravillas sin parangón que, en buena medida, pavimentó un camino que sería y es recorrido hasta el hartazgo.

The Velvet Underground, The Velvet Underground And Nico
Verve, 1967

1. Sunday Morning (2:56)
2. I'm Waiting For The Man (4:39)
3. Femme Fatale (2:38)
4. Venus In Furs (5:12)
5. Run Run Run (4:22)
6. All Tomorrow's Parties (6:00)
7. Heroin (7:12)
8. There She Goes Again (2:41)
9. I'll Be Your Mirror (2:14)
10. The Black Angel's Death Song (3:11)
11. European Son (7:46)

Rippeado @ 192-224 kbps. (VBR) | 75 MB aprox.

Personal
Lou Reed - voz, guitarra
John Cale - viola eléctrica, piano, bajo, coros, celesta en "Sunday Morning"
Sterling Morrison - guitarra, bajo, coros
Maureen Tucker - percusión
Nico - voz en "Femme Fatale", "All Tomorrow's Parties" y "'I'll Be Your Mirror", coros en "Sunday Morning"

Ejemplo musical: mi preferido de este disco, "Sunday Morning", la primer canción. Un claro ejemplo de los ritmos hipnóticos pero simplistas que Velvet Underground impuso como marca propia.


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The Byrds - Mr. Tambourine Man

Sea o no verdad la historia de como Roger McGuinn vio, después de escuchar a los Beatles, un filón en el mercado y decidió "crear" un grupo que juntara (en sus influencias) a Dylan y a Lennon, la verdad es que la anécdota aplica y mucho. Porque McGuinn se convirtió en voz y guitarra de The Byrds, una de las bandas más importantes de todos los tiempos.

Pero, ahora, por qué son tan grandes los Byrds? Pues simple: porque lograron aunar a esos dos nombres en una propuesta absolutamente única. Ellos, al "electrificar" la canción de Bob Dylan que titula además su primer disco (que aquí se les ofrece) inventaron, literalmente, el folk rock. Después de que los EE.UU. respondieran a la oleada folk que venía del otro lado del Atlántico con una especie de revival de su propia música tradicional, lo que quedó no fueron sólo artistas como Pete Seeger sino también muchos jóvenes con la cabeza cambiada y llena de ideas.

Algunos de esos jóvenes eran, amén del mencionado McGuinn, Gene Clark y David Crosby, por ejemplo. Ellos fueron el germen de The Byrds, y a la postre se les unieron el bajista Chris Hillman y el baterista Michael Clarke. Con esta formación, grabaron "Mr. Tambourine Man" para Columbia en 1964, y todo explotó. Las complicadas armonías vocales (marca registrada de los Byrds) y la guitarra de 12 cuerdas (Rickenbacker!) de McGuinn, sonando prístina y melodiosamente, fueron hitos en la historia y cambiaron la forma de ver este estilo en todo el mundo (no sólo en los EE.UU).

Mr. Tambourine Man (el disco) es una colección de grandes canciones folk: muchos covers (en especial de Dylan, pero hay de Pete Seeger, por caso) y otras tantas composiciones originales que refuerzan la idea de un grupo que, a pesar de su poca cohesión (parte del disco lo grabaron con músicos de sesión), cuando se juntaban hacían magia. La armonía McGuinn-Clark/Crosby es por momentos un coro, por otros ascendente, descendente... Y la rítmica es incansable, pop pero folk pero rock con un cuidado por el detalle admirable.

Un disco para escuchar y guardar.

The Byrds, Mr. Tambourine Man
Columbia Recordings, 1965

1. Mr. Tambourine Man (2:34)
2. I'll Feel A Whole Lot Better (2:35)
3. Spanish Harlem Incident (2:01)
4. You Won't Have To Cry (2:11)
5. Here Without You (2:40)
6. The Bells Of Rhymney (3:34)
7. All I Really Want To Do (2:07)
8. I Knew I'd Want You (2:18)
9. It's No Use (2:27)
10. Don't Doubt Yourself, Babe (2:58)
11. Chimes Of Freedom (3:55)
12. We'll Meet Again (2:17)
Bonus Tracks [Reedición 1996]
13. She Has A Way (Unreleased) (2:29)
14. I'll Feel A Whole Lot Better (Alternative Version) (2:31)
15. It's No Use (Alternative Version) (2:27)
16. You Won't Have To Cry (Alternative Version) (2:11)
17. All I Really Want To Do (Alternative Version) (2:06)
18. You And Me (Unreleased Backing Track) (2:12)

Rippeado @ 320 kbps. | 97 MB aprox.

Personal
Gene Clark - voz, pandereta
Jim McGuinn - voz, guitarras de 12 y 6 cuerdas
David Crosby - voz, guitarras de 6 y 12 cuerdas
Chris Hillman - bajo
Michael Clarke - batería, percusión
Leon Russell - teclados en "Mr. Tambourine Man" y "I Knew I'd Want You"
Jerry Cole - guitarra en "Mr. Tambourine Man" y "I Knew I'd Want You"
Larry Knechtel - bajo en "Mr. Tambourine Man" y "I Knew I'd Want You"
Hal Blaine - batería en "Mr. Tambourine Man" y "I Knew I'd Want You"

Ejemplo musical: uno de los grandes temas de The Byrds, "The Bells Of Rhymney". En realidad se trata de un cover de Pete Seeger, a su vez adaptación de éste a un poema del galés Idris Davies. Gran ejemplo de la manera particular de los Byrds de versionar y hacer propio un tema.


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