Pacífico - La Bella Época

Hemos hablado sobradamente en este blog de los inicios de la década del '70 en el rock de nuestra Argentina. En este sentido, hemos dejado bastante establecido que en aquellos días existían dos vertientes bien diferenciadas: por un lado -y de la mano de Billy Bond- se estilaba un rock pesado con raíces bluseras que propendían grupos como Pappo's Blues, Vox Dei o Pescado Rabioso. Por el otro, una ebullente vertiente acústica y folk de cuidados arreglos y armonías bellísimas era ignorada por el público masivo y confinada a devenires cási cofrádicos.

Es el caso de la banda que ilustra nuestro post del día, Pacífico. Se trata del segundo proyecto del artista plástico y fotógrafo Eduardo Martí quien, luego del breve trío Trieste (junto a Héctor Starc y Machi Rufino) se había aventurado con toda su lírica a cuestas a un proyecto de folk-rock progresivo junto al guitarrista Hugo Arbe y al flautista Miguel Ángel Pezzolano. Martí era, obviamente, un hombre de muchos amigos en el ambiente del rock nuestro y fueron algunos de ellos (el mencionado Starc, Emilio Del Guercio y Rodolfo García, por ese entonces promocionando su primer disco como Aquelarre) los que ayudaron inmensamente a que la banda pudiera publicar en 1972 y por Trova su primer y a la postre único registro discográfico, La Bella Época, que aquí ofrecemos.

Esto fue, claro, antes de disolverse tan silenciosamente como se habían formado, culpa esto de esta situación que describíamos más arriba: el público masivo evidentemente no comprendió la sutileza de los arreglos -por momentos plagados de ribetes de bossa nova, por otros herederos de Crosby, Stills & Nash y con inteligentes toques de jazz y momentos rockeros- de Pacífico, volcado mediática y publicitariamente a álbumes como Desatormentándonos, Pappo's Blues Vol. 2, el Volumen 2 de La Pesada (el disco de la oreja) o, en la faceta folk, al complaciente y adolescente estilo de los debutantes Sui Generis de Vida.

Porque si hay algo que La Bella Época no posee es simpleza, complacencia: Martí y sus compañeros rescatan los últimos atisbos del hippismo y la bohemia porteña en un clima intencionadamente amigable, calmo y agreste. Se trata de una propuesta, paradójicamente, nada improvisada pero evidentemente hecha en un clima de amistad y compañerismo que se traslada a cada nota y a cada armonía. Es sumamente destacable el fino trabajo de voces -aún pese a ciertos desatinos- y el entrecruzamiento y exploración de estilos de este disco, lo que a su vez acrecienta el fantasma de la "dificultad" con que se lo etiquetó en su tiempo.

Se trata, sin embargo, de uno de los mejores registros de aquel 1972, un reflejo claro de qué era lo alternativo al rock y blues entonces reinante; uno de los discos más olvidados de nuestro rock que, sin embargo, posee una peculiar reivindicación que tardó más de 30 años: en 1995, en su fundamental disco Chaco, los Illya Kuryaki And The Valderramas de Emmanuel Horvilleur (hijo de Martí) incluyeron como cierre de su poderosa "Remisero" los últimos versos de una de las canciones de La Bella Época, la bossa nova "Una Estela Sin Final", a manera de transición entre esta canción y la balada "Abismo". Este hecho, no más que una curiosidad, no logró rescatar demasiado del olvido a este grupo y su único y muy disfrutable registro.

Esperemos, sin embargo, que ustedes sí lo disfruten.

Pacífico, La Bella Época
Trova, 1972

1. Canción Para Un Pequeño Ladrón (7:02)
2. No Eras Vos, No Era Yo (3:12)
3. Ella Es Tu Hermana (6:07)
4. Mi Mágico Amigo (4:38)
5. Una Estela Sin Final (4:06)
6. Llanto de Un Atardecer (4:13)
7. Escapatoria (5:37)

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Personal
Eduardo Martí - guitarra acústica, percusión, voz
Hugo Arbe - guitarra acústica, percusión, viola, voz
Miguel Ángel Pezzolano - flauta, percusión, voz
Pedro Botti - piano
Héctor Starc - guitarra eléctrica en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"
Emilio Del Guercio - bajo en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"
Rodolfo García - batería en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"

Ejemplo musical: una de las grandes canciones acústicas de La Bella Época, "Llanto De Un Atardecer", refleja perfectamente la esencia de Pacífico.


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Psiglo - Ideación

Este humilde blog suele tener como temática habitual los coletazos de brillantez que -quizás como ningún otro género- el rock progresivo generó en todo el mundo. Hemos visto ejemplos europeos de fuste (en Holanda, España, Alemania, Italia) y también algún argentino, pero el alcance del progresivo se nota muchísimo también al otro lado del Río de la Plata, en el vecino país de Uruguay. Es así que en los primeros años '70 nacieron allí propuestas como la que es hoy objeto de este post, Psiglo.

Psiglo fue una efímera -aunque reiteradamente reunida- agrupación que, cabalgando en un denodado hard rock en la moda de Deep Purple y Led Zeppelin (principales deudos) añadió sofisticadas instrumentaciones y tufillos psicodélicos para crear una propuesta original y que fue sorpresivamente exitosa: ya en su segundo single, "No Pregunten Porqué"/"Vuela A Mi Galaxia" sus ventas llegaban a disco de oro, cifra -no hace falta decirlo- sorprendente para una banda (y mucho más una de música progresiva) en Uruguay.

Pero la confianza del ambiente musical en el crecientemente popular quinteto que integraban el soberbio cantante Rubén Melogno, el talentoso guitarrista Luis Cesio, el bajista César Rechac, el tecladista Jorge García y el magnífico baterista Gonzalo Farrugia era mucha, y así es que en los albores de 1973 (y tras haber participado en multitudinarios recitales como el Festival de la Solidaridad) ingresan al estudio a grabar lo que a la postre sería su primer larga duración: Ideación, el álbum que ilustra este post.

Ideación, además de incluir nuevas versiones de los temas más populares de sus primeros singles (la evangélica "En Un Lugar Un Niño" y la explosión progresiva de "Vuela A Mi Galaxia") resultó una perfecta demostración de todas las potencialidades que Psiglo había demostrado en sus breves dos años de existencia: las canciones vadeaban entre riffs poderosos, sutilezas psicodélicas e incluso arreglos sinfónicos -revisar la preciosa balada "Catalina"- para conformar un cohesivo disco que inmediatamente capturó la atención del público convirtiéndose en el más importante de la historia de su país.

Mucho tenían que ver las temáticas que Psiglo (desde sus inteligentes letristas Melogno y Cesio) desarrollaba en sus canciones. La épica "Es Inútil" -que abre la cara B del álbum original- es una exhibición clara de esto: la voz de Melogno obsta a combatir la (por entonces creciente en ambos lados del Río de la Plata) represión de las ideas jóvenes, expresadas también por los músicos del grupo en las banderas comunistas que lucían en sus shows. Justamente por desarrollar estas ideas fue que su segundo álbum, Psiglo II, fue censurado tanto en Uruguay como en Argentina precipitando la separación del grupo; hecho que se vio aún más alimentado por los cruentos golpes de Estado que se dieron casi simultáneamente en ambos países.

Pese a esto nadie olvida a Ideación, que fue la muestra de que se podía hacer y pensar las cosas de manera muy diferente al orden establecido. Psiglo representó la rebelión en un momento en que esta era necesaria, y es por eso que fueron y son tan recordados: Ideación es una fotografía de sus tiempos, un muestrario de la vida de la juventud uruguaya.

Psiglo, Ideación
Clave I.E.M.S.A., 1972

1. Siénteme (2:15)
2. En Un Lugar Un Niño (3:54)
3. Catalina (3:38)
4. Vuela A Mi Galaxia (4:31)
5. Nuestra Calma (4:26)
6. Es Inútil (9:03)
7. No Pregunten Porqué (3:27)
8. Piensa Y Lucha (4:40)
Bonus Tracks
9. Gente Sin Camino (cara B, simple 1972) (6:09)
10. En Un Lugar Un Niño (cara A, simple 1972) (3:10)
11. Vuela A Mi Galaxia (cara B, simple 1972) (4:42)

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Personal
Rubén Melogno - voz, percusión
Luis Cesio - guitarra, voz
César Rechac - bajo, voz
Gonzalo Farrugia - batería, percusión
Jorge García - teclados, flauta dulce, voz
Cuarteto de Cuerdas del SODRE - cuerdas en "Catalina"
Nelson Pito Varela - saxo en "Es Inútil"
Eduardo Giovinazzo - trompeta en "Es Inútil"

Ejemplo musical: uno de los momentos altos de Ideación fue este festival de teclados con un riff furibundo llamado "Vuela A Mi Galaxia", canción que en formato simple había sido un éxito para la banda pese a ser un lado B.


Te lo podés bajar de acá.

Huinca - Ídem

En 1971 se termina el grupo iniciático de lo que fue el rock nuestro: Los Gatos. Las eternas diferencias entre el líder y compositor del grupo, Litto Nebbia, y el influyente guitarrista Pappo Napolitano sobre la dirección artística futura de la banda terminaron en una salomónica decisión: cada cual por su lado y todos contentos. Así, entonces, Pappo enfiló por fin hacia su esperado grupo solista Pappo's Blues (con Lebón y Black Amaya) y Litto terminó de decorar nuevas canciones para un futuro disco en solitario.

Por ciertos problemas contractuales, el disco no podría salir con la firma de Nebbia y entonces Litto decidió bautizar a su grupo de músicos como Huinca. Huinca era, entonces, un proyecto solista del ex-Los Gatos donde, pese al predominio de su guitarra y su voz, el resto de los integrantes aportaba -y mucho- de lo suyo: después de todo, el baterista era otro ex-Gatos, el maravilloso Oscar Moro; el bajista era Cacho Lafalce (quien había tocado en La Pesada de Billy) y el teclado era para un virtuoso llamado Gabriel Ranelli. Buenos músicos, de los mejores de su época, y en sintonía.

Sin embargo, lejos de ser lo más importante, la formación -e incluso el liderazgo de Nebbia- era anecdótico: lo sumamente interesante de aquel primer disco autotitulado de Huinca era lo ajustadas, rockeras y arriesgadas que sonaban sus composiciones. Nebbia definitivamente buscaba una dirección entre el blues ("Cadenas Y Moneda", quizás el tema más simbólico de este período, así lo demuestra), el folk ("Alunar" es un pleno ejemplo de ésto y de la poesía de Litto) y el rock denodado y avasallante pero delicado de soberbias piezas como "Chocolates (Para Ud.)", "Gritar Y Amar Es Luchar" o "Por Algo Es" donde como dijimos antes lejos queda la figura de Nebbia como punta de lanza sino que se nota una sinergia grupal, un calor llamativo. El entendimiento de la batería de Moro con el bajo de Lafalce, los diálogos y soleos de Nebbia y Ranelli, los corales que adornan cada canción, todo nos habla de una banda que parecía bien formada.

Lamentablemente para el rock nacional, tanto no lo era que no sólo el disco -editado por el pequeño sello Trova- tuvo una bajísima tirada que importó muy poco al lado de monstruos como el segundo disco de Pappo's Blues (irónicamente), el debut de Pescado Rabioso o Vida y fue el detonante para que Nebbia decidiera prescindir de los servicios de los tres músicos que lo acompañaban; quienes formarían el brevísimo trío instrumental Aquarium para luego iniciar la diáspora (que, por ejemplo, terminaría con Moro en Color Humano) y dejar olvidada esta efímera formación.

Tan olvidada está que la única edición disponible de Huinca es en un disco conjunto con Despertemos En América, disco solista de Nebbia en el que ambos álbumes aparecen con la autoría de Litto (quien, claro, es dueño de las grabaciones con su sello Melopea). Desde este pequeño espacio, entonces, optamos por divorciar este disco de aquel -como se debe- para darle su justo y merecido lugar como uno de los secretos mejor guardados de todo el rock nuestro. Disfruten.

Huinca, Ídem
Trova, 1972

1. Preludio (1:42)
2. Gritar Y Amar Es Luchar (6:26)
3. Harlem (2:13)
4. Cadenas Y Moneda (7:11)
5. Posludio (0:56)*
6. Yo Soy Tu Voz (3:26)
7. Alunar (4:43)
8. Chocolates (Para Ud.) (4:21)
9. Canción Para Ramona (2:42)
10. Por Algo Es (5:37)

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* El lado "A" del vinilo terminaba en esta canción, por ello la sucesión de "Preludio" en track #1 y "Posludio" en el #5.
Pequeña anécdota: la tapa muestra a los miembros de la banda, incluyendo a Nebbia quien, para burlar la prohibición de grabar con otra disquera que no fuera RCA (con quienes se había peleado por la no-edición de Nebbia's Band tras la disolución de Los Gatos), aparece de espaldas a la cámara.

Personal
Litto Nebbia - voz, guitarras eléctrica y española, armónica, coros
Cacho Lafalce - bajo, coros
Gabriel Ranelli - piano eléctrico, órgano
Oscar Moro - batería, percusión
Mario Tenreyro - corno en "Por Algo Es"
Chino Rossi - percusión en "Por Algo Es"

Ejemplo musical: soberbia canción de Huinca es su octavo tema, "Chocolates (Para Ud.)". Furioso pero sutil rock donde los teclados, la guitarra y las cuidadas voces y arreglos se entrecruzan con inteligencia.

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Gastr Del Sol - Camoufleur

En la entrada anterior discurrimos plácidamente sobre el math rock, este extraño subgénero cuya peculiar etiqueta entraña una habilidad particular para crear extrañas estructuras y aún más peculiares canciones. Pues si de pioneros del estilo se trata, algo que nos gusta hacer acá es descubrirlos. En este estilo, una luz guía fue la emitida durante la década del '90 por Gastr Del Sol, colectivo de ilustres desconocidos que dieron a luz algunos de los discos más interesantes de toda la movida.

Básicamente Gastr Del Sol fue en un principio el proyecto solista del pope del math rock David Grubbs quien del '93 al '98 se rodeó de otros habitués de bandas de la movida. Grubbs tenía, antes de la banda que nos convoca, un nutrido currículum que lo ubicaba en bandas clave del estilo como Squirrel Bait y Bastro. Para la primer encarnación de su nuevo proyecto convoca a Bundy Brown y John McEntire, dos ex Bastro también. Pero estos lo abandonan y se unen a Tortoise; por lo que el multitalentoso Jim O'Rourke se acerca a la banda.

O'Rourke y Grubbs formarían desde entonces una interesante alianza que haría su primer mella en el rock en el '94, con un disco mayormente acústico llamado Crookt, Crackt Or Fly. La genialidad de Gastr Del Sol estaba en reducir la bola sónica del math a una expresión cuasi minimalista sin perder ni un poco de la actitud desafiante y la frescura de sus coetáneos. Por eso todos empezaron a seguir el derrotero de este grupo que tuvo otras dispares y experimentales piezas en su haber: el EP Mirror Repair del '95, donde agregan elementos electrónicos que a la postre serían característicos del grupo; el proyecto de música de cámara The Harp Factory On Lake Street ('95) y un relajado y exquisito volumen con adiciones de cuerdas, Upgrade And Afterlife ('96).

Como no podía ser de otro modo, el éxito les era esquivo, lo que tenía dos ramificaciones (o visiones) posibles: la primera es que esto les permitía experimentar; la otra, que los frustraba. Algo de ambos factores hubo, porque si bien en 1997 O'Rourke abandona el barco, éste deja un bellísimo canto de cisne: Camoufleur, una colección de piezas de entramado pop con orquestaciones y momentos electrónicos de fuste, líricas laberínticas y, por sobre todo, nada de pretensión. Una joya.

Gastr Del Sol, Camoufleur
Drag City, 1998

1. The Seasons Reverse (5:50)
2. Blues Subtitled No Sense Of Wonder (6:31)
3. Black Horse (5:23)
4. Each Dream Is An Example (5:40)
5. Mouth Canyon (3:47)
6. A Puff Of Dew (6:19)
7. Bauchredner (7:09)

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Personal
David Grubbs - guitarra, voz, sintetizadores, teclados, programaciones
Jim O'Rourke - guitarra, sintetizadores, teclados, programaciones, percusión
Markus Popp - guitarra, bajo, teclados, programaciones
Darin Gray - bajo
John McEntire - batería
Edith Frost - voz
Julie Pomerleau - violín, viola
Maureen Loughnane - violín
Jeb Bishop - trombón
Ken Vandermark - clarinete
Rob Mazurek - corneta
Jeremy Ronkin - trompa
Steve Butters - percusión
Stephen Prina - coros

Ejemplo musical: la apertura de Camoufleur es una bella composición pop llamada "The Seasons Reverse".


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Hella - Hold Your Horse Is

Nuestro primer coqueteo con el casi absurdo término math rock se dio muy por la tangente, cuando en una semblanza mencionábamos al ex baterista de una banda pionera del subgénero, Bastro. Al ser este tratamiento tan secundario, nunca nos dimos tiempo para describir de qué iba toda la idea de una etiqueta tan peculiar y de apariencia caprichosa. Entonces, qué les parece si antes de referirnos a la banda y al disco que son objeto de nuestro post hacemos una breve semblanza del género?

Se denomina math rock a un derivado del rock progresivo caracterizado por sus complejas estructuras rítmicas, ordenadamente caóticos contratiempos, riffs disonantes, baterías de compases poblados y algún que otro influjo electrónico (en especial en las bases). Toda esta maraña sónica da como resultado un prolijo desorden sin control, una fuerza implacable y abrumadora que genera una música única, absolutamente atípica y que automáticamente llama la atención.

Pese a ser sólo moderadamente popular en su tiempo, el math rock se las arregló para sobrevivir con bastante cancha gracias a la severa influencia que la electrónica está teniendo en el rock actual. Esto genera una revalorización de aquellos primeros valores heterogeneizantes, aunado este factor a un cierto rescate vintage de la idea de recrear las máquinas con instrumentos. Algo así sucedió con la banda que nos ocupa, los californianos de Hella.

Formados en 2001 como un dúo cuyos miembros eran el guitarrista Spencer Seim y el soberbio baterista Zach Hill, su propuesta es un sanguíneo, poderoso math rock con mucha influencia hardcore. En 2002 editan su primer producción, Hold Your Horse Is, gracias al apoyo conseguido a partir de sus poderosísimos shows. La habilidad interpretativa del dúo es tal que parecen robots, Hill desde sus inhumanos ritmos percusivos y Seim ejecutando riff tras riff de guitarra.

El disco es un compendio de abrasivos, ácidos rompecabezas instrumentales sin un solo momento de calma, plagado de una potencia que a veces abruma pero que generalmente impacta. Lo más increíble de Hella es que parecen no poder parar, querer mejorarse a cada momento, regodearse en su propio poder. Cada silencio es tan solo un impulso que toman para volver a golpear una y otra y otra vez.

A partir de este duro inicio, los chicos comenzaron a experimentar. Para sus posteriores grabaciones agregaron sintetizadores y bajos, mientras que en 2005 editaron un disco doble llamado Church Gone Wild/Chirpin' Hard que es un doble con material solista de cada miembro por separado. A fines de ese año agregan dos miembros más y en 2006 delinean el quinteto con el que en enero de este año editaron su última producción, There's No 666 In Outer Space por Ipecac, el sello de Mike Patton.

Hella, Hold Your Horse Is
5 Rue Christine, 2002

1. The D. Elkan/Biblical Violence (3:47)
2. Been A Long Time Cousin (3:50)
3. Republic Of Rough And Ready (3:44)
4. 1-800-GHOST-DANCE (3:40)
5. Brown Metal (3:58)
6. Cafeteria Bananas (3:40)
7. City Folk Sitting, Sitting (7:06)
8. Better Get A Broom! (4:26)

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Personal
Spencer Seim - guitarra
Zach Hill - batería

Ejemplo musical: momento altísimo de velocidad, urgencia y perfección sónica de Hold Your Horse Is: "1-800-GHOST-DANCE". Agárrense.


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Santana - Abraxas

Pese a su ahora devaluada figura de compositor adult contemporary, Carlos Santana tuvo en los años '70 un rol clave en el establecimiento y la expansión del rock latino en los Estados Unidos.

A partir de su ya mítica actuación en el no menos legendario festival de Woodstock de 1969, la atención del ávido público de rock estadounidense comenzó a centrarse en este guitarrista y compositor mexicano nacido en 1947. Santana, junto con la banda que nucleó bajo su apellido, había editado en el año del festival un soberbio primer disco autotitulado que llegó a doble platino apoyándose en sofisticadas estructuras percusivas mezcladas con un rock que tenía mucho que ver con lo que estaba en auge en aquel momento: el blues-rock ya en los albores del progresivo.

La habilidad guitarrística de Santana (un intérprete con mucho feel e inteligencia, capaz de crear patrones muy personales) era ya motivo de conversación y admiración, llegando en aquel agosto de 1969 a un punto álgido. Santana y los suyos entendieron que era necesario entonces dar un salto adicional de calidad. Mucha de la responsabilidad de que Abraxas, su segundo disco, se convirtiera en un éxito tan impensado como enorme la tiene el pianista Alberto Gianquinto, quien le sugirió al grupo concentrarse en hacer canciones y no en las extensas improvisaciones percusivas que habían marcado el primer álbum del grupo.

Así, los temas propios del grupo eran matizados con inteligentes versiones de lo más diverso: la eficaz reinterpretación del clásico del Fleetwood Mac "Black Magic Woman" era sucedida por una revisión no menos sagaz de "Oye Como Va", del legendario salsero cubano Tito Puente. Todo esto le daba a Abraxas una tonalidad tañida de contenido latino, pero indudablemente rockera en lo que era un acercamiento innovador y seductor a la música hispana.

Sea como fuere, el espaldarazo de Woodstock fue perfectamente aprovechado por un grupo que se mostraba en su plenitud: después de Abraxas, Santana editaría los increíbles Santana III ('71) y Caravanserai ('72). A esto le seguiría una especie de viaje espiritual de Carlos con John McLaughlin (en el '72 editaron juntos un soberbio LP llamado Love, Devotion, Surrender). Esto resultó en una deserción masiva de los miembros de la banda, disconformes con un Santana decididamente inclinado a la fusión que desde la Mahavishnu Orchestra fogonaba su gurú.

De la etapa latina de Santana, entonces, nos queda esta joyita. A disfrutar.

Santana, Abraxas
Columbia, 1970

1. Singing Winds, Crying Beasts (4:53)
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen (5:17)
3. Oye Como Va (4:17)
4. Incident At Neshabur (4:59)
5. Se A Cabo (2:52)
6. Mother's Daughter (4:30)
7. Samba Pa Ti (4:47)
8. Hope You're Feeling Better (4:19)
9. El Nicoya (1:41)

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Personal
Carlos Santana - voz, guitarra
David Brown - bajo
Michael Shrieve - batería
Gregg Rolie - teclados, voz
Alberto Gianquinto - piano
José Chepito Areas - percusión, congas, timbales
Michael Carabello - percusión, congas
Rico Reyes - percusión

Ejemplo musical: breve botón de muestra de lo que Santana proponía: "Se A Cabo", buena mixtura de raíces latinas y dejos progresivos.


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Blue Cheer - Vincebus Eruptum

Si tuviéramos que definir un punto desde donde el metal, el stoner y hasta el grunge comenzaran, muy probablemente se trataría de enero de 1968, mes en el que saliera el primer disco de un entusiasta trío de rock duro y psicodélico llamado Blue Cheer. Vincebus Eruptum se llamaba el disco, y era una obra que se distanciaba bastante de lo que el psych de aquellos años tenía para ofrecer.

El álbum que Dickie Peterson (bajo y voz), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería) habían concebido era descarnadamente agresivo, poderoso y directo. Parecía un mal viaje de LSD por su psicodélica fuerza: guitarras elevadas, batería estruendosa y la voz de Peterson confrontacional, implacable. Su rendición del clásico de Eddie Cochran "Summertime Blues", que abría el disco, era casi un manifiesto: habían deformado la canción hasta transformarla en un torrente de poder con un ritmo indetenible (y que un largo tiempo después muchas bandas siguen intentando emular). En sus breves seis temas Blue Cheer se mostraba duro pero inteligente, distorsionado pero cuidado.

El grupo se había formado en San Francisco (California) en 1966 y como cuarteto. Ya en 1967 eran el trío que se menciona arriba; con el que grabaron en el mismo 1968 este disco y su estupendo continuador OutsideInside, doble de mayor injerencia psicodélica, más sutileza y menos fuerza. El gran tema de la banda fueron sus permanentes cambios de alineación que los llevaron de cuarteto (con teclados) a trío y viceversa. Aún pese a esto sacaron un par de discos muy interesantes en 1969: New! Improved! (disco doble entre cuarteto y trío) y Blue Cheer; y uno más, The Original Human Being (1970) ya sólo con un miembro fundador (Peterson).

En 1971 editaron un sexto e irrelevante disco, Oh! Pleasant Hope, y al ver que éste fracasaba, se separaron. La llama mística que Peterson, Stephens y Whaley habían encendido se apagaba, y nadie más que ellos podía conservarla. En los '80, vuelven otra vez como trío y, con Whaley en el sillín, editan un nuevo disco (The Beast Is Back, 1984) y un soberbio directo, Blitzkrieg Over Nüremberg ('89).

Nunca el suceso los alcanzó como en Vincebus Eruptum, pero el status místico alcanzado con sus primeros discos les ha servido para seguir activos hoy en día.

Blue Cheer, Vincebus Eruptum
PolyGram, 1967

1. Summertime Blues (3:47)
2. Rock Me Baby (4:23)
3. Doctor Please (7:53)
4. Out Of Focus (3:58)
5. Parchment Farm (5:50)
6. Second Time Around (6:18)

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Personal
Dickie Peterson - bajo, voz
Leigh Stephens - guitarra
Paul Whaley - batería

Ejemplo musical: la increíble versión del "Summertime Blues" de Eddie Cochran que Blue Cheer registrara en Vincebus Eruptum.


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Astor Piazzolla - Libertango

Había que volver. Y qué mejor manera de hacerlo que publicando uno de esos discos que de verdad cambió la cabeza de mucha gente, derribando prejuicios y uniendo inquietudes en una sola música, maravillosa y muy seductora?

Eso es lo que hizo en 1974 Astor Piazzolla, soberbio bandoneonista y arreglador nacido en 1921 en Mar Del Plata. Desde muy joven ya, y apadrinado por Aníbal Troilo (de quien fuera orquestador), se hizo fama de músico ambicioso. Esta fama le ganaría también una obvia incomprensión por parte de la raíz más profunda del tango clásico que lo tildaba (poco más) de hereje. Y tal vez así era: Astor no componía tangos bailables sino profundas e intrincadas suites donde las guitarras eléctricas se entrecruzaban con arreglos de bandoneón de corte progresivo e instrumentaciones neoclásicas y barrocas muy impropias de un estilo al que, era ya obvio, superaba.

Quizás por eso su fama se extendió más en países que no fueran el suyo, lo que motivó a Piazzolla a alejarse de la Argentina en 1954. A su regreso, este hombre que ya tenía estudiados a Bartók, Strawinski y el jazz es otro. Su revolucionario Octeto Buenos Aires coquetea con la clásica, las rítmicas jazzeras, el rock; se dan cita tanto violines como guitarras como bandoneones; largas zapadas son un sello. Todas las discográficas locales lo boicotean. No le importa: se va a New York (donde era inmensamente popular) para desde allí saltar, en 1970, a París, y en 1972 volver con gloria al Colón, aquí en Buenos Aires.

En el '73 sufre un infarto que lo obliga a replantearse muchas cosas. La conclusión de estos pensamientos es un viaje a Italia donde (con una troupe de músicos locales) compone y graba lo que tal vez sea su obra más popular: Libertango. El grupo se denominaba el Conjunto Electrónico y agregaba a la ya seductora mística piazzolliana un uso sensible e intrigante de los sintetizadores. El resultado es una música verdaderamente de quiebre, revolucionaria y diferente. Las suites se suceden con una cohesión admirable, y son pequeñas operetas de una fuerza y una perfección envidiable.

Un disco que nadie debería dejar de escuchar.

Astor Piazzolla, Libertango
Tropical Music, 1974

1. Libertango (2:48)
2. Meditango (5:38)
3. Undertango (4:08)
4. Adiós Nonino (5:35)
5. Violentango (3:34)
6. Novitango (3:33)
7. Amelitango (3:59)
8. Tristango (6:54)

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Personal
Astor Piazzolla - bandoneón
Filippo Daccò - guitarra
Giuseppe Prestipino - contrabajo eléctrico
Tulio De Piscopo - batería, percusión
Andrea Poggi - timbales
Felice Da Via - piano, hammond
Gianni Ziloli - hammond, marimba
Umberto Benedetti Michelangeli - violín
Elsa Parravicini - viola
Paolo Satvi - cello
Hugo Heredia - flauta
Gianni Baiocco - flauta
Gianni Bedori - fagot
Marlene Kessik - fagot

Ejemplo musical: "Libertango" circa 1974. A callar y disfrutar.


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Vox Dei - Jeremías Pies De Plomo

Hoy que se está haciendo una revalorización de nuestro rock nacional aprovechando los 40 años de la salida de sus primeras grabaciones, podemos decir que hay un grupo de esos llamados pioneros que está siendo muy injustamente olvidado. Más aún porque todavía, y desde hace cuarenta años, están en actividad. Sí, así es, tienen la misma "edad" que el propio movimiento al que pertenecen.

Claro que se trata de la banda que es objeto de este post, Vox Dei. Este cuarteto primero, trío después, se hizo legendario después de su adaptación de la Biblia de la religión católica en formato de álbum conceptual allá por su segundo disco en 1971. Lo que el grueso de la gente no sabe (o se permite omitir) es que a partir de su volátil debut de 1970 (Caliente) y hasta la primer salida de Ricardo Soulé en 1974, Vox Dei se las ingenió para sacar media docena de discos igualmente geniales que son parte una de las discografías más frondosas y creativas del rock nacional todo.

La capacidad de Vox Dei de escribir canciones era inagotable, cimentada en la sinergia existente entre sus igualmente talentosos miembros Ricardo Soulé en guitarra y voz, Willy Quiroga en bajo y voz y Rubén Basoalto en batería y coros. En 1971, ni bien terminado La Biblia, el miembro fundador Jorge Carlos Yody Godoy (guitarrista que había sido clave en los dos primeros discos) abandona la banda. Pero éstos absorben perfectamente el golpe volviéndose un eficaz y audaz power trío que graba durante 1972 dos álbumes extraordinarios: Cuero Caliente y el que aquí les ofrezco, Jeremías Pies De Plomo.

En este tiempo Soulé se convierte en el alma del grupo, expandiendo las habilidades de la banda hacia temas con mucho más blues que en sus progresivos inicios. Vox Dei se vuelve atronador, denodadamente rockero y despiadado. Siguen escribiendo letras profundamente introspectivas y de una poética cuidada, pero las rodean con distorsiones y ritmos cabalgantes. Lejos de amilanarse, el grupo se hace más duro, más críptico e interesante.

Como habíamos dicho, esta catarata creativa le dura a Vox Dei lo suficiente como para editar discos sensacionales como el feroz directo La Nave Infernal (1973), Es Una Nube, No Hay Duda (1974) o el irregular Vox Dei Para Vox Dei de 1974. A fines de ese año Soulé abandona el grupo, pero la banda seguiría tocando con una lista de guitarristas cambiante.

Sin embargo, el trío Quiroga-Basoalto-Soulé se reúne varias veces: en 1978 (para el estupendo Gata De Noche), 1986 y 1996; siempre sacando nuevos discos. Hoy por hoy (ya sin Soulé) siguen tocando y grabando. Recientemente festejaron su 40º aniversario con un show a sala llena en el Teatro Coliseo. Vaya entonces la reivindicación a unos pioneros injustamente olvidados.

Vox Dei, Jeremías Pies De Plomo
Mandioca, 1972

1. Jeremías Pies De Plomo (4:34)
2. Detrás Del Vidrio I/II (6:56)
3. Juntando Semillas En El Suelo (2:44)
4. Sin Separarnos Más (4:31)
5. Ahora Es El Preciso Instante (3:24)
6. Ritmo Y Blues Con Armónica (4:31)
7. Esta Noche No Parece Igual (2:55)
8. Por Aquí Se Te Echó De Menos (4:16)

Rippeado @ 128 kbps. | 32 MB aprox.

Personal
Ricardo Soulé - voz, guitarra, bajo, cajón peruano, piano
Guillermo Willy Quiroga - bajo, guitarra acústica, piano, voz
Rubén Basoalto - batería, percusión

Ejemplo musical: el tema que abre y titula este disco, "Jeremías Pies De Plomo" tal y como lo tocó Vox Dei en el festival que dio origen a la película Hasta Que Se Ponga El Sol, en 1972.


Acá hacés click y está lo bueno.

Alameda - Ídem

Como temática recurrente tenemos por estos lares la tremenda influencia que el rock progresivo tuvo en países de lo más exóticos (en términos musicales, al menos). Vimos ejemplos italianos, holandeses, alemanes, argentinos... En fin, esta oleada de fines de los '70 parece no tener final. Y mucho más cuando uno encuentra cosas como ésta.

Se trata del primer disco de los españoles de Alameda, fieles exponentes del llamado rock andaluz. Resulta ser que así como a muchos países de Europa, a España no le fue ajeno un movimiento absolutamente popular en sus tiempos. Pero los españoles, fieles como son a su tradición, lo entremezclaron sabiamente con sus coplas y su flamenco para crear una propuesta rebosante de unicidad. Esto no debería resultar extraño: guitarristas como Paco De Lucía no son, después de todo, virtuosos a la altura de cualquier rockero progre de EE.UU. o Gran Bretaña?

Los pioneros de este movimiento se llamaron Triana. En 1974 estos músicos de flamenco se juntaron y empezaron toda la bola de nieve que llegó a crear grupos como los que son objeto de este post y otros igualmente geniales como Guadalquivir, Mezquita o Imán. De hecho, los fundadores de Alameda, el bajista Manolo Rosa y el guitarrista Pepe Roca, habían tocado como sesionistas de Triana y sus demás miembros habían compartido alineaciones en otras bandas de la época: los hermanos Marinelli, tecladistas, en Nuevos Tiempos con Jesús De La Rosa (Triana), y Luis Moreno (batería) en los mencionados Guadalquivir.

No resultó raro, entonces, que se unieran en un proyecto propio que, obviamente, tenía muchas cosas de aquel grupo fundacional. Pero también ideas propias: Alameda era un grupo más focalizado en lo local, con mucha copla y guitarra flamenca, con unas voces de copla y canto privilegiadas y con una raíz en el progresivo más jazz. Así, se diferenciaban notoriamente de Triana pese a la inter-influencia. Su primer disco autotitulado sirve de definición de todas estas cosas, con bellísimas melodías y temáticas ensoñadas cantadas con pasión y emotividad.

Lamentablemente, este grupo no trascendió más allá de Alameda pese a editar varios discos más, si bien ninguno resultó tan genial como este. Vivir a la sombra de las permanentes referencias a Triana y su supuesta condición de "copias" pareció limitarlos y para 1983 se separaron sin pena ni gloria.

Alameda, Ídem
CBS, 1979

1. Aires De La Alameda (4:19)
2. La Pila Del Pato (2:39)
3. Ojos De Triste Llanto (4:16)
4. Hacia El Alba (5:42)
5. Amanecer En El Puerto (6:42)
6. A La Vera Del "Jueves" (4:18)
7. Matices (6:20)

Rippeado @ 192 kbps. | 46 MB aprox.

Personal
José Roca - guitarra, voz
Manuel Rosa - bajo
Luis Moreno - batería
Manuel Marinelli - teclados
Rafael Marinelli - teclados
Enrique De Melchor - guitarra en "La Pila Del Pato" y "Ojos De Triste Llanto"
Luis Manglis Cobo - guitarra en "A La Vera Del 'Jueves'"

Ejemplo musical: la única canción de Alameda que logró cierta popularidad abría su primer disco: se llama "Aires De La Alameda".


Bajate este disco de acá.

The Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame

Allá por los '60, un virtuoso y multitalentoso guitarrista llamado John McLaughlin llegó a los Estados Unidos con un solo fin: captar las vibraciones de un país ebullente de músicas, estilos e ideas.

En Inglaterra John se había recibido de guitar virtuoso. Especialmente desde la salida de su genial disco Extrapolation ('69) donde mostró una serie de cualidades altamente valorables: velocidad, inventiva, técnica y por sobre todo una notable habilidad para tocar métricas extrañas aprendida a partir de una mixtura de influencias que incluían su nativo jazz, flamenco, música clásica y rock, entre otras muchas cosas.

A su llegada a EE.UU. en 1969 lo recibe nada menos que Miles Davis, con quien editaría cinco discos claves para la carrera del legendario trompetista; entre ellos In A Silent Way, Bitches Brew (donde hay un tema llamado, justamente, "John McLaughlin") y Big Fun. En 1970 deja a Miles y para el '71 decide armar un grupo a fin de sublimar todas sus intenciones, eternamente superadoras.

En el ínterin había abrazado la doctrina del gurú hindú Sri Chinmoy Kumar Gose, quien lo nombra de inmediato Mahavishnu (algo así como "Iluminado"). Agarrándose de este título y de su nueva fe con todo su ser, bautiza a su grupo The Mahavishnu Orchestra y junta a unos músicos impresionantes: Billy Cobham (otro ex Miles Davis) en la batería, Rick Laird (Sonny Rollins) en bajo, Jan Hammer en pianos y el violinista Jerry Goodman (The Flock). Imagínense si era grosso John que su violinista original iba a ser Jean-Luc Ponty, pero problemas con su visa hicieron imposible la unión por un tiempo.

La Orchestra era esencialmente una banda instrumental que unía en una sola propuesta varios factores de distintos estilos: la distorsión más rockera, ritmos extraños de raíz hindú, un gusto improvisacional amigo del jazz y armonías inspiradas en la música clásica europea. En aquellos tiempos el jazz rock fusión estaba en boga con otras bandas como Weather Report, Chicago o el solista Chick Corea haciendo también de las suyas desde el lado más letrado de la música, y en ese contexto la Orchestra fue inmensamente popular en su etapa inicial.

The Inner Mounting Flame fue su primer e iniciático disco. Editado en 1972, el álbum se convirtió rápidamente en un éxito a caballo de una mixtura de estilos desafiante y descarada, cuyos intachables exponentes instrumentales interpretaban a la perfección. La Orchestra grabó un disco más (Birds Of Fire, 1973) con su alineación original hasta que las tensiones entre McLaughlin y el resto de los músicos desembocaron en el Mahavishnu quedándose solo.

John reformó el grupo al año siguiente (esta vez con Ponty, je) y grabó tres discos en una vena menos instrumental y más vocalmente elaborada, con la introducción de sintetizadores e interesantes armonías vocales. Volúmenes dignos de escucha como Apocalypse y Visions Of The Emerald Beyond fueron botón de muestra de un grupo que se desbandó una vez más (por los mismos motivos...) en 1976.

En 1984 se juntaron con Cobham como único sobreviviente de aquella legendaria primera formación, pero la llama del apogeo del jazz rock se había apagado y pese a durar tres años más la popularidad de la Orchestra fue decayendo exponencialmente. Como digo habitualmente, por suerte quedan registros musicales como éstos para recordarlos.

The Mahavishnu Orchestra, The Inner Mounting Flame
Columbia Records, 1972

1. Meeting Of The Spirits (6:52)
2. Dawn (5:19)
3. Noonward Race (6:29)
4. A Lotus On Irish Streams (5:40)
5. Vital Transformation (6:17)
6. The Dance Of Maya (7:15)
7. You Know, You Know (5:07)
8. Awakening (3:26)

Rippeado @ 160 kbps. | 52 MB. aprox.

Personal
John McLaughlin - guitarras acústica y eléctrica
Rick Laird - bajos acústico y eléctrico
Billy Cobham - batería, percusión
Jan Hammer - teclados
Jerry Goodman - violín

Ejemplo musical: "Meeting Of The Spirits", tema que abre The Inner Mounting Flame. Un festín de virtuosismo e improvisación para su disfrute.


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Xhol Caravan - Electrip

Hubo alguna vez, en la loca Alemania de finales de los '60 y comienzos de los '70, un movimiento absolutamente único y propio del rock de aquel país. En algún momento lo hemos cubierto por aquí, y hoy es hora de hablar de los pioneros (como también nos gusta hacer).

Ese movimiento fue obviamente el kraut-rock, y esos pioneros fueron los increíbles Xhol Caravan. Inicialmente conocidos como Soul Caravan, comenzaron su estrambótico periplo como una convencional banda de funk y R&B. Sus líderes de aquel tiempo eran los saxofonistas Tim Belbe y Hansi Fischer, alemanes amantes de la música negra estadounidense a tal punto que reclutaron a dos vocalistas de la escena Motown, James Rhodes y Donny Swinton.

Para 1968, sin embargo, esa locura se les había pasado y les había entrado otra. Después de varios cambios de alineación, la banda había virado hacia una particular mixtura de free jazz con rock psicodélico y progresivo que como característica distintiva contaba con los primeros intentos de experimentación electrónica de los que se tenga registro. A tal punto querían apartarse que se habían cambiado el nombre a Xhol Caravan para distinguirse de sus viejas épocas.

Con esa alineación, en 1969 y para el histórico sello alemán Hansa pergeñaron este, su segundo disco como Xhol Caravan: Electrip. Este es sencillamente el primer álbum de kraut-rock del que se tenga registro, un pionero mojón en la ecléctica mixtura que caracterizó al movimiento: hay claros elementos de jazz rock con estructuras progresivas, pero el constante devenir de las canciones trae un claro influjo psych. A esto le suman extraños manejos de sonido, recurso que luego gastarían bandas como Brainticket, Can o Embryo y un humor alla Zappa.

Más que canciones, lo de Xhol Caravan eran suites, vuelos con comienzo y andar sorprendentes y final incierto. Para esta banda no había reales límites musicales. Su ambición los llevaba a crear ámbitos irrevocablemente negros (los rastros de funk y R&B de sus primeros tiempos son notorios, y deliciosos) donde desarrollar un denso pastiche de estilos, formatos, temáticas y fundamentalmente ambientes.

Se trata de una representación atemporal de un movimiento que estaba en ciernes, preparándose para dar el salto. Electrip nos muestra con qué elementos el kraut-rock conquistaría los ámbitos de la música europea de la primera mitad de los '70: creatividad y ambición ilimitadas, variopintas influencias y por sobre todo innovación, que es lo que le venía en falta al rock.

En 1970 se cambian el nombre a Xhol para distinguirse de los británicos Caravan. Luego editan su tercer disco hau-RUK (1971), que fue seguido por un álbum en vivo que les sirvió como despedida en el momento justo de la ebullición del movimiento que ellos, con su joya bautizada Electrip, habían ayudado a crear.

Xhol Caravan, Electrip
Hansa, 1969

1. Electric Fun Fair (6:27)
2. Pop Games (6:55)
3. All Green (7:37)
4. Raise Up High (17:45)
5 Wallah Mashallah (1:39)
6. Planet Earth (Single 1969) (2:46)
7. So Damn, So Down And So Blue (Single 1969 B-Side) (3:29)

Rippeado @ 256 kps. VBR | 68 MB aprox.

Personal
Tim Belbe - efectos
Ocki Brevert - piano eléctrico
Klaus Briest - bajo
Skip Vanwych - batería
Hansi Fischer - flauta traversa, saxos alto y soprano

Ejemplo musical: Xhol Caravan en vivo interpretando la primer parte de "Ozsillogramm", inédito editado en el DVD Talking To My Soul (que desde aquí recomendamos cálidamente). La segunda parte está acá.


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Aeroblus - Ídem

Ya en la entrada anterior hablábamos de Pappo como un tipo pródigo en ese arte que es integrar proyectos que tienen algo para decir y lo hacen de la mejor manera. El Carpo fue miembro de grandes bandas y, como todos los músicos inquietos, tuvo también un estupendo proyecto paralelo que permanece aún semi-oculto para la mayoría del público rockero de nuestro país, aunque no debería.

En 1974 el ex bajista de Manal Alejandro Medina percibió que, con la vuelta al poder de un Perón mucho más conservador y recalcitrante, la situación se iba a poner aún más pesada de lo que estaba en las épocas en las que por tener pelo largo te llevaban detenido. Por consecuente decidió volar a Brasil. En Buzios vivió en un chalet propiedad de Claudio Gabis (otro ex Manal) y conoció a un potente baterista de nombre Junior Castello y de raíz hard rock.

Medina convenció a Pappo de irse a vivir a San Pablo con él (como cuenta aquí) y así nació el germen de Aeroblus, con la formación Napolitano-Medina-Castello. Era un proyecto de blues (cómo no iba a serlo, con Pappo y Medina juntos?) pero en una cepa mucho más pesada, dura, sin concesiones. Cuando llegaron a la Argentina, fueron malentendidos por una generación más habituada a Sui Generis, Gieco o Gabriela que a los grupos de rock duro.

Esto, sumado a que los dos argentinos querían volver a radicarse en su país (y Castello no) y a que la vuelta de Pappo's Blues ya era una realidad, separaría un grupo muy prometedor que terminó dejándonos como único testimonio este gran, gran disco de blues y rock and roll.

Aeroblus, Ídem
Music Hall, 1977

1. Vamos A Buscar La Luz (3:53)
2. Completamente Nervioso (3:04)
3. Tema Solísimo (2:06)
4. Árboles Difusores (2:19)
5. Vendríamos A Buscar (3:29)
6. Aire En Movimiento (2:43)
7. Vine Cruzando El Mar (2:42)
8. Nada Estoy Sabiendo (4:55)
9. Sofisticuatro (3:46)
10. Buen Tiempo (3:13)

Rippeado @ 192 kbps. | 45 MB aprox.

Personal
Norberto Pappo Napolitano - voz, guitarra
Alejandro Medina - bajo, voz
Junior Castello - batería

Ejemplo musical: una buena ilustración de Aeroblus es su tercer canción, "Tema Solísimo". Una letra simple y directa, pero poderosa, y una música entre blues y hard rock.


Bajalo de aquí.

Pappo's Blues - Pappo's Blues Volumen 1

En 1970 Norberto Pappo Napolitano ya era un nombre más que reconocido en la por entonces ardiente atmósfera del rock nuestro, habiendo participado en dos bandas fundacionales como los primeros Abuelos De La Nada y Los Gatos. A los primeros, los lideró un tiempo tras el éxodo de Miguel Abuelo hacia Europa, y a los segundos les aportó su increíble guitarra en dos discos clave como Beat Nº 1 ('69) y Rock De La Mujer Perdida ('70). También tuvo un breve coqueteo con otra banda fundadora como Manal, cuando éstos querían ser cuarteto.

Todo esto fue un necesario preludio para su esperado lanzamiento como punta del iceberg de una banda que respetara sus inquietudes: el rock más crudo y descarnado, y el blues más puro y guarro. Ese lanzamiento se llamó Pappo's Blues y para él el propio Carpo eligió a dos grandes músicos de fenomenales habilidades: Juan Carlos Black Amaya en la batería y David Lebón en el bajo.

Los ensayos de Pappo's Blues eran volátiles: un ex violero como Lebón se había adaptado al dedillo al bajo (luego sería baterista de Color Humano y más tarde regresaría a Pappo's Blues pero como guitarra, mostrando una envidiable ductilidad instrumental) y Black ya mostraba con creces sus dotes como poderoso y variado baterista de rock & blues. La sinergia entre los tres era perfecta: tal es así que este primer disco muestra algunas de las mejores composiciones e interpretaciones en la historia del Carpo.

Pappo's Blues Volumen 1 reúne estándares de la carrera de Napolitano, históricas canciones que se entonan con aire legendario: el furibundo blues-rock psicodélico de "Algo Ha Cambiado", la declamación citadina de "El Hombre Suburbano", la queja en formato blusero de "Adónde Está La Libertad" y demás gemas. Este álbum tuvo una capital importancia en la instalación del blues como forma en la Argentina, y catapultó a Pappo al nivel de leyenda de la guitarra. Se trata de uno de los discos claves del primer rock nacional.

Pappo's Blues, Pappo's Blues Volumen 1
Music Hall, 1971

1. Algo Ha Cambiado (4:24)
2. El Viejo (2:40)
3. Hansen (3:47)
4. Gris Y Amarillo (4:36)
5. Adiós Willy (1:41)
6. El Hombre Suburbano (2:20)
7. Especies (4:29)
8. Adónde Está La Libertad (8:42)

Rippeado @ 320 kbps. | 54 MB aprox.

Personal
Norberto Pappo Napolitano - voz, guitarra, piano
David Davies Lebón - bajo
Juan Carlos Black Amaya - batería

Ejemplo musical: otro de los clásicos atemporales de Pappo's Blues Volumen 1: "El Viejo".


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Salem Mass - Witch Burning

En los albores de los '70, los avances tecnológicos dieron lugar a un replanteo muy interesante. A qué me refiero? Pues a los sintetizadores, que en esa época estaban apareciendo y mejorándose constantemente. Uno de los teclados que más injerencia tendría en el mundo del rock sería el moog, aparato análogo diseñado por el profesor del mismo apellido que abriría de manera grandiosa el panorama para un montón de artistas que venían buscando una forma de darle un salto de calidad a su música.

En este sentido el disco que les presento hoy, Witch Burning, reviste un especial interés. Se trata de la única obra de un cuarteto de breve vida, Salem Mass, pero también de uno de los primeros usos rastreables del moog aplicado al rock más radical.

Y es que los Salem Mass, que contrariamente a lo que se podría pensar no provenían de esa tristemente célebre ciudad sino de Sun Valley (Idaho), eran en un inicio un grupo de hard rock que nada tenía que envidiarle, por caso, a Deep Purple. Quizás porque gustaban de experimentar y extenderse hacia otros terruños (jazz, blues) tiraron la casa por la ventana y se compraron un minimoog (versión reducida del célebre sinte). El chiste es que, según registros, se trata del vigésimo tercer moog en ser fabricado.

Pero también se trata de uno de los primeros registros discográficos con tanta, y tan cabal, presencia del teclado por sobre los demás instrumentos. Los Salem Mass, además, demuestran un virtuosismo que si bien más tarde sería moneda corriente, en esos tiempos era poco común. Su música es sombría y pesada como la época, que preludiaba el nacimiento del heavy metal, pero también posee un saludable dejo melódico. En fin, Salem Mass son rock de teclados en una época en que éstos estaban en pañales.

Salem Mass, Witch Burning
Gear Fab Records, 1971

1. Witch Burning (10:21)
2. My Sweet Jane (4:33)
3. Why (2:40)
4. You Can't Run My Life (3:47)
5. You're Just A Dream (3:37)
6. Bare Tree (6:50)
7. The Drifter (3:10)

Rippeado @ 320 kbps. | 82 MB aprox.

Personal
Mike Snead - guitarra, voz
Matt Wilson - bajo, voz
Steve Towery - batería, voz
Jim Klahr - sintetizadores

Ejemplo musical: segundo tema de Witch Burning: "My Sweet Jane". Buen ejemplo de la mixtura de elementos que dio como resultado a Salem Mass.

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